Afft'r 8

Panda Bear - Tomboy

2011-05-03T12:31:00.001+01:00

Retirada da Edição nº 229 d'A Cabra.

PJ Harvey - Let England Shake

2011-03-09T12:29:00.000Z

Retirado da Edição nº 226 d'A Cabra

Os Melhores de 2010

2010-12-30T22:00:00.002Z

Depois de um ano muito ausente, é altura de vos dar a conhecer os meus álbuns preferidos do ano. E sendo este ano um ano atípico, não me vou poder restringir a LP's e EP's (e até filmes!) que só tenham aparecido aqui. Todos os nomes que se seguem são altamente recomendáveis. Aqui vos deixo então as melhores não sei quantas edições de 2010:

25 Toro Y Moi - Causers Of This

24 !!! - Strange Weather, Isn't It?

23 Male Bonding - Nothing Hurts

22 Animal Collective - ODDSAC

21 Black Bombaim - Space Travels and Saturdays

20 Avey Tare - Down There

19 PAUS - É Uma Água EP

18 Flying Lotus - Cosmogramma

17 Pop Dell'Arte - Contra Mundum

16 Tennis - Baltimore EP

15 oOoOO - oOoOO EP

14 wools - from fornelo

13 Caribou - Swim

12 Four Tet - There Is Love In You

11 Mount Kimbie - Crooks & Lovers

10 Gold Panda - Lucky Shiner

9 nihilist assault group - russian-american EP

8 Sun Araw - On Patrol

7 B Fachada - B Fachada É Para Meninos

6 James Blake - The Sketch EP/Klavierke EP/CMYK EP

5 Linda Martini - Casa Ocupada

4 Liars - Sisterworld

3 Emeralds - Does It Look Like I'm Here?

2 Deerhunter - Halcyon Digest

1 Ariel Pink's Haunted Grafitti - Before Today

Então só me resta desejar a todos um óptimo 2011! Até lá!

Klaxons - Landmarks Of Lunacy EP

2010-12-27T21:59:00.003Z

Para terminar este 2010, a banda que mais me desapontou este ano, lançou um EP no dia de Natal em jeito de palmadinhas nas costas a dizer "vá, se não gostaste do que te fizemos, toma lá isto que é Natal". Obrigado meus queridos Klaxons. Lunacy Of Landmarks EP foi lançado e felizmente, está numa linha temporal muito diferente do fabrico do Surfing The Void. E melhor que isto é ter sido gravado em 2008 com o grande James Ford, produtor do álbum de estreia Myths Of The Near Future e metade dos Simian Mobile Disco.

Não consegui descortinar ao certo se as 5 faixas que compõem o EP fariam parte daquele que veio a ser o álbum rejeitado pelos filhos da p*ta da Polydor. Aquele suposto álbum psicadélico rejeitado que obrigou a banda de Londres a mudar o rumo sonoro. Não sei se fazem parte ou não, mas reconheço algum caminho com destino nesse mesmo sítio. Já há algum psicadelismo, não propriamente à paisana, mas há sonoridades capazes de fazer uma pessoa débil ter um ataque epiléptipo. Mas não interessa, os Klaxons voltaram a ganhar alguma da credibilidade que eu lhes tinha dado nos tempos de The Bouncer e que me fizeram (muito) orgulhoso aquando do lançamento do Myths Of The Near Future. O Lunacy Of Landmarks é uma peça importante para conhecer os Klaxons perdidos. Sim, perdidos porque isto são os Klaxons de 2008. Não de 2010, apesar de o lançamento ser já em 2010.

Mas falando de coisas que realmente interessam, o EP é composto por 5 belas faixas, que não vão cheirar nada ao baú do nu-rave. Mas sim ao fatalismo que tinha ficado no disco de estreia. À primeira audição vai parecer que falta alguma coisa, porque parece mesmo que os rapazinhos cresceram e deixaram o modo punk do lado de lá da porta do estúdio. Mas no final não tinham crescido. Tinham era toneladas de "sedativos" no corpo. Em Landmarks Of Lunacy vemos uns Klaxons em busca da harmonia, e chegam mesmo a atingi-la. Falo principalmente de Ivy Leaves e Wildeflower. Ivy Leaves é uma senhora obra-prima. Movimentos oscilantes em torno dum orgasmo sonoro que não se chega a atingir. Soa ligeiramente a um experimental perdido entre um bosque de Blairwitch Project e uma manhã de nevoeiro numa cidade fantasma.

Wildeflower é feita em marcha, uma marcha feita também num local sombrio. Ao que parece a sonoridade e todo o "liricismo" existente no EP também toma o mesmo rumo, vai tudo parar a uma zona mais sombria. Não parecem os mesmos rapazes de Atlantis To Interzone, parecem mais os rapazes que depois da Four Horsemen of 2012 ficaram sem fôlego. Mas toda a Wildeflower é perfeita. Não existe qualquer aproximação ao Surfing The Void, por mais estranho que pareça. O EP fica aquém das expectativas de quem espera um "Klaxons continue", mas para quem sempre sonhou em meter ouvidos num "Klaxons reinvente themselves" cai que nem ginjas. Todo o down-tempo que existe à volta do Landmarks Of Lunacy pode parecer pouco excitante. Quer dizer, ao vivo também não posso dizer que não o seja, mas pelo menos aqui é reconfortante. É sombrio, e é perfeito. Obrigado.

Avey Tare - Down There

2010-11-23T17:56:00.005Z

Retirado da Edição nº 221 d'A Cabra.

Errata: A editora deste disco é a Paw Tracks.

Blá Blá Blá - O Meu Nome É Todas As Palavras Que Conheces

2010-11-15T18:32:00.004Z

8,5

Melhor Música Nova

O meu primeiro contacto com os Blá Blá Blá já remonta ao dia da primeira compilação do Movimento Alternativo Rock, e nessa altura destaquei-os no meio de nomes como Nervo e os Maçã de Prata. Passado mais de um ano, a banda de Esposende edita agora um EP intitulado O Meu Nome É Todas As Palavras Que Conheces. Um EP sobretudo interessante quando olhamos para os Blá Blá Blá de antigamente e para os de agora. O que antes se assemelhava a um belo e bem sucedido rip-off de pop/rock mainstream (falo de A 2 Passos Do Abismo) passou agora por uma grande transformação e hoje são donos de composições como Casulo.

Casulo que é a faixa que abre o EP, é de facto alguma coisa. O início da faixa diz-me alguma coisa: com uma intro um pouco paranóica de deixar alguém perdido nas brincadeiras stereo mas que sabe muito bem quando dá o pontapé de saída para a percursão que aqui se apresenta meio agressiva/meio avant de tanto break desapercebido que se sente. Assim que a voz entra, faz-se um clique, soa-me a Pedro Laginha dos Mundo Cão misturado com uns Linda Martini ainda mais frustrados com a vida. Gosto especialmente do refrão por ter toda aquela junção de breaks inesperados e guitarras apocalípticas. Em Porta, a banda altera completamente o seu estado anterior. Agora a posição vocal à la Laginha dos Mundo Cão perde um pouco a sua potência. Anteriormente via-se uma desconexão bonita entre as linhas vocais e as linhas instrumentais, mas agora seguindo a mesma montagem, já não tem o mesmo efeito, sentindo-se o efeito demasiado deliberadamente provocado do que simplesmente deixar a coisa fluir. Depois do primeiro refrão, a junção de saxofone com a bateria trabalhada (a qual não me vou cansar de elogiar) sabe a tão pouco. Isto porque soa a um jazz fusion perfeito mas de tão pequeno que é quase que é tirar um rebuçado a uma criança. Queria decididamente mais.

Para Onde Foi O Amor é a faixa lo-fi do disco. Tem o seu quê de épico porque pelo menos para mim soa um pouco à mistura dos japoneses Mono com o In Rainbows dos Radiohead, e isso não se vê todos os dias. Dúvido muito que a banda se tenha lembrado destas referências, mas acaba sempre por ser mais bonito quando sai tudo sem pensar muito no momento. Revista Cor de Rosa remete-nos para mais e maior agressividade que assim à primeira vista me relembra dos Muse dos tempos do Showbiz. Nada de muito elaborado, simplesmente rock puro e crú. Esvoaça pelo contrário parece que foi a faixa que mais tempo demorou a concluir em estúdio devido a todos os seus pormenores, que se encontram todos no sítio certo. Aqui há alguma disparidade relativamente a qual é que é a melhor composição d'O Meu Nome É Todas As Palavras Que Conheces: Casulo é a faixa que fica no ouvido, mas Esvoaça roça um pouco a perfeição. Não há palavras para isto.

E para terminar o registo, a faixa que dá o nome ao EP, O Meu Nome É Todas As Palavras Que Conheces, com uma duração de sensivelmente 7min, é a derradeira tentativa de trazer o devido reconhecimento aos Blá Blá Blá. É o registo mais progressivo do EP e todo ele é bem estruturado. Aqui sim as semelhanças com Linda Martini estão todas bem fundamentadas. É de referir que aqui os Blá Blá Blá estão (outra vez) a roçar a perfeição. E assim que termina o disco considerei fortemente a hipótese de uma boa parte do futuro da música portuguesa cantada em português poder passar pela banda de Esposende. Para um EP estão (muito) bem munidos de armas sonoras que lhes podem valer algum estrelato por entre a massa que se apercebe da boa música que é tocada em Portugal. Depois da tal compilação do MAR, os Blá Blá Blá evoluiram tanto que agora quase que se encontram sozinhos no caminho. Apartir daqui só me resta dar-lhes os parabéns por este EP e desejar-lhes boa sorte para o que ainda está para vir.

Yuni in Taxco - Yuni in Taxco EP

2010-10-24T21:51:00.004+01:00

8,7

Melhor Música Nova

Isto já andava morto há algum tempo. E continuaria a estar se os Yuni in Taxco não se esbarrassem contra os meus ouvidos. De coqueluches, de grandes nomes, de gente famosa já está toda a gente farta de ouvir falar. Mas hoje, este súbito espasmo informativo trata de uns meninos de Seattle que se dizem discipulos dos Beach Boys e d'Os Mutantes, e que por acaso têm um EP de bradar aos céus.

Ao longo de um EP de apenas 12min e 5seg que nos convida a agarrar uma cerveja e a esticarmo-nos na espreguiçadeira, encontram-se boas e bem conseguidas referências à música de qualidade. Sad Sack of Shit é uma boa forma de dar o pontapé de saída: com uma instrumentalidade bastante ear-friendly conseguem logo à partida pedir a atenção do ouvinte com a pequena ajuda dos diferentes coros sonhadores também muito catchy que aqui se podem encontrar. Deve também ser referenciada a harmonia sonora que, quando acompanhada do saxofone que se encontra lá atrás a gritar por atenção, deixa de ser uma conjugação que até aqui não é mais que interessante, para passar a ser uma coisa que deambula perto da perfeição.

Em King of Borneo, apesar de ser só a segunda faixa, já nos deixa a possibilidade de fazer a confirmação de que os Yuni in Taxco estão atentos ao que se passa. King of Borneo quase que soa a uma fusão da peculiar sonoridade dos Real Estate com as variações vocais e instrumentais dos Dirty Projectors. Para ajudar ainda mais um pouco, esta faixa possui uma linhagem instrumental que por vezes é acompanhada por ritmos que muitas vezes não se consegue bem perceber se advêm do caribe de El Guincho ou do africanismo dos Vampire Weekend. O que é certo é que King of Borneo é uma delícia. Dream Drug é a interpretação do down tempo chill wave que sobrevoa os mares havaianos do surf pop. E para terminar esta pequena raridade temos Pains of an Education que é onde os Yuni in Taxco se apresentam agora na sua vertente mais rock e onde também apresentam quase uma mini-faixa bónus que separando-se completamente do rock semi-psicadélico/semi-lo-fi que estava para trás e traz para a frente um momento muito intenso em crescendo para acabar o EP em grande.

Resumindo: muita atenção aos Yuni in Taxco que eles mais tarde ou mais cedo estão aí a rebentar para todo o mundo.

Tennis - Baltimore EP

2010-10-06T16:04:00.007+01:00

8,0

Melhor Música Nova

O Verão quase que acabou e foi já nesta fase final que fui encontrar um dos melhores nomes de 2010 com talvez o melhor EP do presente ano. Vindo directamente de Denver, Colorado, e da mesma editora de Ducktails e Julian Lynch, os Tennis alegraram tanto esta parte menos bonita do ano em que nos mentalizamos que vamos voltar ao trabalho mais tarde ou mais cedo. E foi com um EP de apenas 3 músicas que rondam a perfeição que o fizeram. O começo do Baltimore EP com a própria Baltimore é capaz de ser a única coisa que entra mal no ouvido devido à entrada não tão bem conseguida da guitarra tipicamente noise sobre a percursão tão básica mas que fica bem em todo o lado, mas que é completamente superada pelo ouvinte ao tropeçar numa voz bela, cristalina, que guarda uma distância de segurança entre nós, como se não lhe pudessemos tocar devido ao sinal "Frágil" se encontrar perto dela. Todo o resto da música está muito bem conseguida muito graças à liderança da voz que existe. A linha instrumental não se encontra aprumada.
Cape Dory é praticamente um hino. Em estado pós-The-XX meets Feist, os Tennis apresentam-se agora em modo juvial elevado ao quadrado, capaz de cativar qualquer ouvido com um refrão tirado directamente da nossa infância mais despreocupada do mundo ou possivelmente dos suspiros dados na primeira paixão. Ao ouvir esta música o esboço de um sorriso é certo. A interpretação daquilo que à partida pareciam meros versos monotónicos, foram recriados para um momento pop delicioso.
Para terminar este pequeno refresco servido ao final de tarde temos Marathon. Que é simplesmente outra preciosidade. Agora numa pop mais soft new-wave, os Tennis voltam a mandar outro tiro certeiro com refrões orelhudos até dizer chega com um femeninismo doce a convidar-nos para subirmos a um patamar que agora se assume mais como ambiente, composto pelas pinceladas certas das tonalidades necessárias a dar a uma composição a sensação de good vibes. Ainda se sente um pouco o reverb de garagem nos Tennis mas não é algo que desgoste, dá-lhes mais alma e quase que completa da melhor forma a distorção seca das guitarras fazendo delas também como se fossem instrumentos que se ouvem apenas nos sonhos. Os Tennis ainda mal começaram e já são uma aposta ganha. Olho neles.

Nota: esperei algum tempo para que este texto fosse editado no site, mas como já vi que isso não vai acontecer, aqui vos deixo à vossa disposição.

Real Estate (ao vivo na Via Latina - Artigo MACA)

2010-09-09T00:00:00.000+01:00

A vinda dos Real Estate a Coimbra já estava prometida há algum tempo. Assim que começámos a fazer a contagem final para o espectáculo no Via Latina, o entusiasmo começou a fluir para ver uma das coqueluches do mundo indie vinda directamente de New Jersey e que também já nos deu a conhecer Vivian Girls. Estava marcado para as 23h mas conseguimos chegar ao local mesmo in extremis: meia-noite, com o concerto a abrir com o tema “Suburban Dogs”.

Com um início a meio gás, os Real Estate atraíram a atenção às cerca de cinquenta pessoas presentes quando, logo depois do começo, tocaram a maravilhosa “Beach Comber”, que até teve direito a um ténue acompanhamento pelo público. Entre os habituais thank you e outras interacções tímidas e praticamente imperceptíveis protagonizadas pelo vocalista da banda, Martin Courtney, lá percebemos que iria ser tocada uma cover e uma música nova que “só tinha sido tocada 25 vezes”, cujo refrão monossilábico bastante orelhudo foi a dada altura entoado por toda a gente. Antes disto já se tinha tocado outro hit do álbum de estreia da banda, Green River. Não exactamente como esperávamos mas duma maneira mais corpulenta, trabalhada e também mais rápida que deixa a verdadeira “Green River” num universo muito mais lo-fi que esta nova versão.

Segue-se então, sem direito a paragens, “Suburban Beverage” com as suas referências repetitivas num modo good vibe à Budweiser, com os pés bem assentes no surf-pop. Quase no fim do fim do concerto foi-nos oferecida “Fake Blues”: a resposta do público foi de agrado imediato após os primeiros acordes, entregando-se novamente ao trautear do resto da música, acompanhando Alex, Etienne, Martin e Matthew. Como já começa a ser hábito, a banda deixou duas músicas de fora do set para um possível encore. Foi então que o público aplaudiu, de forma menos exuberante que politicamente correcta, e os Real Estate voltaram a subir ao palco para tocar as suas duas últimas músicas, entre as quais “Pool Swimmers”.

No final de contas foi um concerto marcado por um público mais motivado pela descoberta de uma banda que realmente para ver os Real Estate. Pela maneira descontraída de tocar que só podia revelar entre eles há muito mais que só música. Das interacções tímidas ao pós concerto, houve uma progressão positiva que culminou na conversa sobre como estavam a gostar de Portugal e da sua primeira vinda a Coimbra. Depois do Plano B e da Via Latina, a banda norte-americana desce à capital para tocar na ZDB.

Nota: Este texto é uma versão alterada da versão que foi originalmente escrita. Ainda assim foi este que foi editado pela MACA.

!!! - Strange Weather, Isn't It?

2010-08-25T00:26:00.004+01:00

7,4

Muito já se passou desde que os !!! nos deixaram Myth Takes que foi por si só um dos pontos altos de 2007. Desde então que a vontade de receber o sucessor desse disco pelas mãos dos americanos com nome supostamente inpronunciável crescia. Strange Weather, Isn't It? dificilmente iria saber tão bem quanto o seu antessessor mas deu sobretudo para matar a fome e ficar, por enquanto, saciado. AM/FM apresenta uma evolução com direcção ao disco. Não pelo caminho mais comum, mas pelo menos despegado do puro funk como é demonstrado mais tarde em Jamie, My Intentions Are Bass e Steady As The Sidewalk Cracks. Hollow e The Most Certain Sure são possivelmente os melhores elos de ligação ao registo de 2007 mas encontram-se um pouco desinspiradas em relação ao resto do disco. Para terminar, The Hammer é uma grande composição onde se vão conjugar muitos pontos fortes da banda que no fim se transforma numa masterpiece estupidamente dançável a considerar no ano de 2010. Se o tempo está estranho, não sei. Mas não me importava que estivesse sempre assim.

Nota: Este foi o texto enviado à equipa d'A Cabra para poder entrar para os seus quadros. Um texto que não fazendo propriamente o meu género, tem que ter este formato devido à "pequenez" dos textos nas edições físicas d'A Cabra.

Reportagem Milhões de Festa 2010

2010-07-28T23:22:00.003+01:00

Milhões de Festa. Uma aventura em Barcelos que teimou em chegar tarde a Portugal. E eu não teimei, mas também cheguei tarde após ter perdido 2 comboios importantes que me fizeram esperar no total mais 3h para chegar ao local do acampamento e do evento. Que vontade tinha de meter os pés num sitio destes. Aqui sim, sinto-me em casa. Rodeado de pessoas que cumprem apenas mais uma jornada pelo amor à boa música que se faz tanto em Portugal como no estrangeiro.

Dia 1: Chegados então os compinchas a Barcelos, vamos então até à entrada do recinto para a consagração que é receber a pulseira de 3 dias deste mega-festival que existe em Portugal. Só após isto é que demos entrada no Parque de Campismo e obviamente só com tudo pronto é que tivemos a oportunidade de ir dar uma trinca num pedaço de céu - piscina do Milhões de Festa. Perdi logo Tren Go! Soundsystem, BEARS e Rudolfo. Trazia muita curiosidade para ver este último que se auto-intitula mestre do hatecore ou de como alguém já o rotulou de pimbacore. O que interessa é ter "core" e um género restritivo que associado a este core soe a qualquer coisa weirdo. Mas a vaga de concertos perdidos só tinha começado agora... Assim que chegámos ao pedaço de céu que era a piscina do Milhões de Festa em jeito de California Private Pool Party que nesta altura contava com alguns 300 convidados a dar mergulhos e a ouvir Claiana e Move The Crowd. Claiana era aceitável, agora Move The Crowd já conhecia e acreditem que é mais um daqueles nomes que não vale a pena descobrir. Acabadas as performances na piscina, o festivaleiro teve que ir preparar-se para a noite que aí vinha que contava com Valient Thorr e Electric Wizard, mas antes de ir ao parque de campismo que era o Parque da Cidade de Barcelos que não tinha qualquer coisa a apontar de negativo a não ser o pseudo Galo de Barcelos, que muitos diziam ser um Faisão, que começava a cantar pelas 3h da manhã e que por acaso dificultavam um pouco o sono de uma pessoa, fomos ao recinto do Milhões e dirigimo-nos ao concerto dos Plus Ultra que até foi jeitosinho. Depois deste concerto vinham os meus conhecidos The Glockenwise. Não esperava outra coisa senão um bom concerto e de facto não tive necessidade de fazer queixa. A banda soube dar um grande concerto para os poucos que estavam lá a assistir (por coincidir com a hora de jantar) mesmo com problemas que teimavam em aparecer. Jacks que se desprendiam, cordas que partiam. Coisas que acontecem aos melhores e que só provam que os Glockenwise já não têm estatura para palco pequenos. Deêm-lhes oportunidades, eles são o futuro.Só depois disto é que se foi ao banhinho, mudar de roupa, jantar para se preparar para ver Men Eater, Black Bombaim, Valient Thorr e Electric Wizard. Acontece que por ironias do destino, todos estes concertos acabaram por ser perdidos, juntando-se à lista da piscina do dia 23. Perderam-se estes concertos mas não se perdeu o melhor - ainda havia after-hours para estoirar as calorias. Chegados ao Palco Vice estava a tocar Tony From Eustachian. Nunca tive tanta vontade de desaparecer dum concerto. Tony era uma espécie de gigabit-power-metal-beatcore que me estava a arruinar a cabeça. Só dando 2 a 3 linhas de cocaína e tomar uma dezena de speeds é que alguém conseguiria (pensar) dançar e acompanhar isto. O que vale é que depois disto veio o momento do dia, Captain Ahab. A dulpa da California apresentou-se em palco com o seu DJ corrente mais a outra metade cujo único objectivo era ficar cada vez mais nú à medida que o concerto ia progredindo para fim. Tocou-se Girls Gone Wild, I Don't Have A Dick, U Want Me, How 2 Party e foi a melhor festa da noite. Estando simplesmente sóbrio (pudera, com finos a 1,5€) neste concerto parecia que estava sobre o efeito de ácidos. Simplesmente um poderio enorme! Seguia-se Sickboy mas o cansaço da viagem ainda pesava e então foi decidido por unanimidade ir dormir ainda a cantarolar o fim do grande concerto de Captain Ahab - "I fuck them: bitches, bitches! I fuck them: hoes, hoes!"

Expressão do dia: «Consagração»

Dia 2: Começa um novo dia e desta vez sim, tinhamos oportunidade para ver todos os concertos do dia menos aqueles que sobrepunham. Sabe-se lá porquê, os Lululemon trocaram o horário com os Throes e estes passaram para as 15h no palco da piscina. Sendo Throes um nome que eu queria muito ver, muito graças ao Dirty Glitter EP editado pela Lovers & Lollypops (organizadora do festival), lá tive que ir dar uns mergulhinhos e ouvir esta dupla que apenas usa bateria e guitarra. Surpresa do dia, foi espectacular. Com um cenário atrás de palmeiras que suscitou algumas comparações com outros grandes festivais mundiais, os Throes acabaram por dar um bonito concerto. Pequeno, mas eficaz. É um nome a ter em conta, eu ainda vou falar com eles para se estrearem no distrito da Guarda. Como esperado, depois disto tivemos Lululemon também em formato bateria-guitarra. Naturais de Vale de Cambra os Lululemon também não se mostraram enferrujados e foi outro nome que me surpreendeu. Mais porque eu nunca tinha tido a oportunidade de os ouvir. Mas não conseguiram superar o concerto de Throes. O fim de tarde na piscina de dia 24 foi maravilhoso: Marçal dos Campos com as suas teclas a lembrarem Kraftwerk menos kraut e mais chill; e a dupla oriunda de Coimbra, Os Yeah (Hugo Alfredo Gomes & Emanuel Botelho = wools + quit) juntaram-se a Fabulosa Marquise e proporcionaram belos momentos aquáticos a ouvir Sun de Caribou e Feel It All de Washed Out. Quem me dera a mim que todos os fins de tarde fossem assim. Saídos já tarde deste canto dos deuses e também já perdido o concerto dos Aspen que jogavam em casa, decidimos ir dar uma vista de olhos aos bracarenses Long Way To Alaska que tiveram um espectáculo dentro das normas não excendendo em muito a espectativa. Sair do recinto e voltar a entrar no recinto e fomos direitinhos a PAUS que estavam a fazer o soundcheck. Com a plateia bem constituida como não tinha visto antes, os PAUS eram certamente a banda portuguesa que mais pessoas queriam ver. Pudera, com artistas de Linda Martini, Men Eater, Riding Pânico, If Lucy Fell e Vicius Five, só podia sair coisa boa. Para quem nunca tinha visto foi uma coisa que parecia o fim do mundo. Para mim que já os estava a ver pela 2ª vez (e a 3ª já está agendada para 11 de Setembro!) não houve efeito surpresa. Tocaram 5 músicas. As 4 do EP É Uma Água mais uma a entrar no alinhamento do novo álbum ainda a nomear e a sair até ao fim do ano. Depois do concerto que vi na Discoteca Via Latina em Coimbra, senti a banda enferrujada. Não sei se era do Verão ou não, mas passava-se alguma coisa. A nível de percursão, exímios. Agora em termos vocais, muito fraquinhos. Até me fica mal dizer isto mas parecia muito amador. Se algum dos quatro cantava baixo de mais, os outros iam atrás e isto no fim resultou em pujança nível zero. Foi um bom concerto que acabou mesmo em grande mas só quem não tinha visto isto antes é que não é ofuscado pelo brilho da banda pertencente aos quadros da Enchufada. Depois disto seguiu-se The Fall mas aproveitou-se para dar uma volta e beber um ou outro fino, isto é, quando a carteira assim o deixava, até que dava ínicio o concerto de Gold Panda no Palco Vice. Isto sim valeu a pena e tornou-se num dos melhores concertos do Milhões de Festa de 2010 que a esta hora já se sentia épico. Passamos para El Guincho no Palco Milhões e depois de na Queima das Fitas de Coimbra ter chegado só a tempo de ver a última música, podia agora ter a minha vingança. Acontece que não tive. Queria muito ter gostado do concerto mas era excessivamente repetitivo. Até que à última música estoira a Antillas e aí sim, pude ter a minha mini-vingança podendo ter acesso a esta mega brutalidade de música que teve direito a uma extended-version para fazer escorrer mais suor. Fechado o Palco Milhões, voltamos ao Palco Vice onde agora ia dar ínico o concerto dos CRISIS. O cansaço voltou a dar que falar e acabamos por ver apenas 3 músicas das quais uma cover à Crystalized dos The XX que diga-se de passagem, era absolutamente dispensável. Pelo meio ainda tivemos a oportunidade de ver a infeliz queda da Sofia no Palco mas felizmente não tinha sido nada de especial e passados poucos segundos já estava a transpor para o público o seu animal de palco (lembrava-me estupidamente de Peaches).

Expressão do dia: «Estou todo fodido»

Dia 3: Último dia. Tinha tudo passado tão depressa e não queriamos por nada ir embora. Piscina das 14h30min até às 17h45min e deu para ver Dreams - goste, Sunflare - nada a apontar, Tigre Deficiente - risoriamente bom a contar com uma versão electronica do bikini pequenino às bolinhas amarelas que era um mimo, The Shine - pffff, que dizer? Estavam mesmo fora do festival tal como Move The Crowd. Acontece que não sei o que é pior: se ter alguém que parece pertencer à Footmovin' ou alguém que parece uns irmãos abandonados de Buraka Som Sistema. Não vimos andamento porque os Riding Pânico já iam começar às 18h no Palco Vice. Acontece que por grande estupidez, fomos até ao recinto mas não fomos até ao palco alternativo, ficamos no principal à espra dos Riding Pânico. Esperamos um pouco, nunca mais vinham, (e claro que nunca iriam chegar, até agora lá podiamos estar à espera deles) fomos jantar. Que estupidez. Cumprir o ritual pós-piscina e ir passar um pouco de tempo ao recinto vendo Karma To Burn que por acaso nem era um nome que me chamava à atenção mas deram um concerto bem interessante. Fomos agarrar uns finos quando pude reparar no aviso da organização que dizia que os Monotonix iam passar para o concerto das 23h e os Za! iriam então passar para as 0h45min. Eu já pressentia algo de épico, mas não quis criar grandes expectativas. Fomos então para o concerto dos Monotonix e não tinhamos sequer ideia do que se ia passar. Chegada a hora foi possivel constatar que pela enésima vez na história da banda isrealita, recusaram tocar no palco. A bateria foi colocada exactamente à frente do palco e depois das grandes - sim, mesmo no meio da multidão. O concerto estava na fase inicial e tinhamos o guitarrista a dar notas soltas e bem separadas enquanto que o vocalista Ami Shalev a abrir um corredor no meio da multidão onde ia roubando água, cerveja e outras bebidas para poder atirá-las para cima do baterista que estava deitado no chão de braços e pernas abertas para poder receber a benção deste homem. Acabada esta cena inicial começou o inferno. Moche e crowd surf (posso confirmar que sim, foi Nuno Rodrigues dos The Glockenwise o catalisador desta festa descomunal em crowd surf) que só parava quando já não havia música. Posso afirmar sem qualquer medo que houve mais de 100 crowd surfers que esmurravam joelhos, pontapeavam alguém e sabe se lá porquê, caiam ao chão completamente desamparados. A visão era demoníaca e até aqui tudo bem. Porque o melhor ainda estava para vir. Quem conhece os Monotonix, supostamente também conhece a sua aversão a ter a bateria instalada no mesmo tempo durante mais que 15min. Ami Shalev teve a brilhante ideia de roubar o bombo e o banco ao baterista e levá-los para o meio da multidão. Pediu para elevarem estes objectos para ele se sentar no banco e tocar no bombo tendo uma das maiores interacções que uma banda alguma vez teve em Portugal. Esta cena visualizada já valia "Milhões", mas esperem que o melhor ainda estava para vir. O frontman da banda analisou o espaço que tinha para dar o concerto e avistou uma subida que saia de trás dos balcões de bebida que culminaria num precepicio de 8 metros. Mais uma vez, mudou-se a bateria, desta vez na sua totalidade, para o cimo dessa subida o concerto passou a ter lugar nesse mesmo sitio. Uma vez estando neste lugar, já tudo parecia óbvio - Ami Shalev queria atirar-se duma altura considerável para a multidão que certamente o receberia de braços abertos. E assim o fez, mas a organização pediu expressamente para descer mais um pouco na rampa e só caiu nos braços desesperados dos fãs depois de se lançar numa altura de 3 metros enquanto o baterista fazia uma heartbeat mesmo à reality show. Ele saltou e esse momento acabou por ser a marca do Milhões de Festa 2010. É caso para dizer Were Where You When It Happened? Depois disto, o festival devia mesmo ter acabado. Nada puderia ter suplantado aquela que foi a melhor performance de sempre alguma vez feita em Portugal! Mesmo que a qualidade musical dos Monotonix ronde a nulidade, o espectáculo esteve lá. O suor ficou lá e um pouco de nós ficou também naquele pequeno largo em frente ao Palco Vice. A brutalidade tinha-nos atingido e depois disto nem sabiamos o que esperar. Mas lá tivemos que prosseguir viagem (mas ainda deu para uma troca de palavras com Ami Shalev!) e fomos ver Toro Y Moi que depois do que tinhamos visto antes iria sempre saber a pouco. Foi um bom concerto, para não dizer mesmo bom mas que ainda estava a ser visto de cabeça quente. Acreditem, só quem lá esteve é que sabe o que se passou. Não há videos, fotos ou qualquer outra coisa que mostre a intensidade daquilo que se passou. Depois de Toro Y Moi, veio Za! naquele espaço que há 1h atrás se tinha tornado mítico e veio talvez o 2º melhor espectáculo da noite com momentos à capella, jazz fusion e breaks geniais por parte da banda de Barcelona. Já o corpo pedia descanso e ainda havia 2 grandes nomes vindos de nuestros hermanos para ver: Delorean e Crystal Fighters. Delorean foi genial e mais não posso dizer. Crystal Fighters foi também genial mas não conseguiu nenhum destes ultrapassar os concertos de Captain Ahab, Za! e claro, Monotonix. Havia mais dois nomes nesse dia no after-hours, mas o festival tinha acabado para mim quando os Crystal Fighters terminaram.

Expressão do dia: «Já viste que hoje é o último dia?»

O Milhões de Festa de 2010 foi extremamente bom. Se tivesse visto todos os concertos que me chamaram lá, poderia até ter sido ainda melhor. Óptimas condições, óptimo ambiente e uma coisa que já não se vê nos dias de hoje. Tive Os Yeah! a acampar perto de mim e consegui ter algumas trocas de palavras com uma metade deles, e tanto os PAUS, como os Captain Ahab, Sickboy, Toro Y Moi entre outros estavam na piscina sem qualquer problema. Neste festival não havia endeusamento de nenhum artista. Todos partilhávamos o mesmo espaço, eramos todos pessoas com habilidades diferentes. E isso meus amigos, isso não se paga. Posso vir a arrepender-me de dizer isto, mas o Milhões de Festa de 2010 vai ficar para a história do MdF como a edição de 2005 de Paredes de Coura ficou para a história desse mesmo festival. 2010 foi o ano da consagração.

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wools - go home now? EP

2010-07-26T19:42:00.001+01:00

Melhor Música Nova

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Pop Dell'Arte - Contra Mundum

2010-07-03T21:25:00.003+01:00

9,0

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Tame Impala - Innerspeaker

2010-06-25T20:21:00.005+01:00

7,4

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Crystal Castles - Crystal Castles

2010-05-31T18:15:00.003+01:00

5,3

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Fang Island - Fang Island

2010-05-29T16:04:00.002+01:00

8,1

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Sonic Youth @ Coliseu dos Recreios

2010-05-05T10:00:00.002+01:00

Ouvir uns quantos velhotes dar umas guitarradas como se estivessem na flor da idade deixa-me sempre a coçar a cabeça. Mas quem disse que os Sonic Youth não estão na flor da idade? Quando aqueles cinco entraram pelo coliseu adentro ouviu-se uma imediata ovação, mais forte e emotiva que o normal: porque para meros leigos como eu, ver uns indivíduos que já tocaram para gerações, que influenciaram milhões de pessoas por este mundo fora deixa-nos como uma forte sensação de impotência e admiração. E, claro está, para os mais velhos, fica o eterno sentimento de reminiscência de quando eles próprios mudaram o mundo.

E ali estavam eles, frescos como sempre, com uma energia esmagadora (devo dizer que a Kim Gordon me proporcionou um belo momento de histerismo interior) que se demonstrava não pela forma como saltavam ou animavam o público – porque disso não ouve, e também não fez falta nenhuma – mas pela paixão como apunhalavam os instrumentos, concentrados neles, e só neles, e transmitiam todo o savoir-faire acumulado numa história de êxitos.

O alinhamento 99% The Eternal não me caiu muito bem. Os concertos de Espanha acalentaram a esperança de presenciar um Greatest Hits da banda, mas parece que estávamos com azar. Para alguns não foi necessariamente mau, e embora tenha alta estima pelo mais recente álbum dos senhores, faltavam-me uma Teenage Riot e um Silver Rocket para me fazer a noite. Mas depois da terceira música perdi a esperança de alinhamento à espanhola, e apreciei uma boa noite, recheada de solos, instrumentais que nos deixaram de boca aberta e um Thurston Moore a abraçar a plateia. Por entre umas cotoveladas, uma Anti-Orgasm, uns empurrões e uma Massage the History, lá fui tendo uma espantosa visão de segunda fila da mestria instrumental destes senhores. Devo dizer que público que me rodeava não soube aproveitar, chegando ao ridículo de fazer crowd surf em plena Shadow of a Doubt.

Ver Sonic Youth era um dos muitos desejos que tinha que concretizar antes de morrer. Mesmo que seja para repetir, muitas e muitas vezes, enquanto a Kim, o Thurston e companhia me quiserem aturar (felizmente “reforma” parece não constar dos seus vocabulários), acho que posso cortar esse desejo da lista.

por Ana Rita Almeida

Blood Red Shoes - Fire Like This

2010-05-03T10:00:00.000+01:00

7,3

Ora qui está uma coisa que não se deve fazer. Os grandes e aclamadíssimos Blood Red Shoes que com o seu álbum de estreia puseram meio mundo a bater o pé ao som de um rock pós-punk com uma energia fora do normal voltaram em 2010 para editar o sucessor de Box Of Secrets, Fire Like This. Acontece que a banda sucumbiu à pressão do "difícil segundo álbum" acabando por deitar todas as esperanças de que a banda ia ter um segundo disco ao nível do primeiro. Por duas razões:

1. Hype. A elevação das expectativas da população em geral é quase sempre um grande inimigo para qualquer que seja a banda. Com isto a pressão de fazer algo de qualidade ao nível do trabalho anterior começa a pesar na cabeça de Steven Ansell e Laura-Mary Carter, dupla inglesa que forma os Blood Red Shoes. Pesou tanto que é isso que forma o ponto 2.

2. Repetição. Com medo de perderem fãs, com a vontade de não fazer pior que o álbum anterior, a banda caiu no erro de se repetir. Sim, os Blood Red Shoes não trazem nada de novo para 2010. Estão iguais a si próprios. O problema disto é que usando a mesma arquitectura sonora que usaram em 2008, agora já não há o imediatismo nem a força que existia na altura da estreia. O disco começa com Don't Ask que é sem dúvida a melhor faixa e que podia perfeitamente estar no alinhamento de Box Of Secrets. Light It Up idem, com a única diferença que o refrão desta se parece com grunge agressivo do inicio da segunda metade da década de 90. Daqui para frente só vemos alguma evolução no sentido positivo em When We Wake, Keeping It Close e Heartsink.

Resumindo e concluindo, o disco por si só não é mau. Mas por ter o antecedente que tem, é um murro no estômago.

MGMT - Congratulations

2010-04-19T10:00:00.003+01:00

8,3

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Liars - Sisterworld

2010-03-29T10:00:00.002+01:00

8,8

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Good Shoes - No Hope, No Future

2010-03-26T10:00:00.001Z

7,4

Já ouviram falar em Good Shoes? Quando ouvi o álbum pensei logo que fossem do norte de
Inglaterra, porquê? Porque o álbum começa com The Way My Heart Beats: guitarrinhas agudas que brotam jovialidade por todo o lado e uma voz que soa muito a Liverpool, a mim lembra-me especificamente os The Wombats. A segunda faixa Everything You Do faz lembrar uns Joy Division mais instrumentalmente comunicativos e não tão instrospectivos sonoramente. I Know não é mais que uma mistura dumas guitarras maioritariamente agressivas com uma voz que nem sei se é mais cantada ou mais dita em spoken word. Under Control, que será talvez a melhor faixa do disco, lembra-me especificamente os meninos de Leeds, The Sunshine Underground, pela velocidade que impõem à música com umas linhas funk bastante definidas e também pela mistura frustração/arrogância nas letras. Daqui em diante todo o disco é muito homogéneo composto por uma certa banalidade na arquitectura musical que só nos aviva mais as esperanças em Times Change, mas que as mata logo depois. Mas é em Then She Walks Away que voltamos à boa música. Principalmente nos momentos pós-refrão em que nos posicionamos no meio dum tiroteio de notas agudas das guitarradas indie rock que agora andam muito em voga. Para terminar o disco temos City By The Sea que nos surpreende por ser uma faixa mais em modos surf-pop/rock que acaba por ser referida quando fazemos um exercício de "Descobre o intruso." Mas é também certamente um dos melhores momentos de No Hope, No Future.

Mas há umas coisas a constatar. Não são do norte de Inglaterra, são de Londres; este já é o 3º álbum deles, portanto qualquer semelhança das influências com as bandas que eu referi antes é pura coincidência.

Pantha Du Prince - Black Noise

2010-03-24T10:00:00.000Z

8,4

Melhor Música Nova

Foi a primeira vez que me aventurei mesmo pelo universo do minimal e podem ter a certeza que saí de lá satisfeito. Tanto que quase posso afirmar que se a natureza tivesse uma banda sonora, seria certamente este Black Noise. E porquê? Porque soa inevitavelmente a uma coisa muito zen com batidas rítmiticas e arrítmitcas que estranhamente nos soa natural aos ouvidos. Para além disso conta com a extracção da natureza de vários sons que utiliza agora na elaboração do disco. A descrição das músicas é completamente evitável, uma vez que a audição deste Black Noise se trata duma experiência sensorial, abrindo caminho para mais do que a audição. A última vez que me aconteceu isto foi há quase um ano quando ouvi o disco II de Lindstrøm e Thomas Prins - torna-se realmente estranho e até impossível tentar explicar as sensações sentidas daquilo a que podemos chamar "o Céu na Terra". Posto isto só me resta dizer que na faixa Stick To My Side há uma participação de Noah Lennox, mais conhecido como Panda Bear, vocalista dos Animal Collective em que este se sai muito bem. Cada vez mais me fazem crer que as melhores sensações auditivas que se podem experiênciar são dadas por um certo conceito de minimalismo. Já dizia o anúncio - "Less > More".

Yeasayer - Odd Blood

2010-03-22T10:00:00.004Z

7,9

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Beach House @ Lux

2010-03-19T10:00:00.000Z

Mais uma noite, mais um concerto. Mas esta noite tem um cheirinho especial. Depois de ter perdido o duo fantástico no Super Bock em Stock, desta vez não deixei Victoria Legrand e Alex Scally escapar. Deixei o Teen Dream a marinar no iTunes durante uns meses, e na quarta-feira passada, lá rumei ao Lux para ouvir as duas preciosidades do dream pop.

Depois dos atrasos da praxe, arranjei um posto mesmo em frente a um Alex descalço (o facto de estar mesmo ao lado de uma coluna não me moveu um bocadinho) que depressa se fez ouvir com Walk in the Park. A voz deliciosamente grave de Victoria depressa exaltou os ânimos, e fora Gila, Heart Of Chambers ou Astronaut, do álbum de 2006 Devotion, a noite foi dedicada a Teen Dream, com estupendas passagens por Used to Be, Lover of Mine, Silver Soul ou Zebra, subindo a parada com Norway e um Take Care que fechou o palco, deixando o público a pedir por um encore, encore esse que veio na forma de um apocalíptico, surreal, e todos os adjectivos do género 10 Mile Stereo que levou um Lux esgotado ao céu.

Foi um concerto calmo, mas nem por isso menos emotivo. Aliás, foi talvez esta serenidade dos Beach House que conquistou o público. Apenas digo que este duo ao vivo bate qualquer coisa que alguma vez tenham pensado ou sentido ao ouvir um dos seus álbuns. E é isso que lhes dá o tal cheirinho especial.

por Ana Rita Almeida

Florence & The Machine @ Aula Magna

2010-03-17T10:00:00.006Z

Terça feira passada, a nova menina bonita da cena indie britânica estreou-se no nosso pequeno Portugal, e na nossa grande e lotada Aula Magna, para terminar a digressão europeia que correu o velho continente em menos de um mês . Inesperadamente, estive lá, com pouca expectativa, e talvez por isso tenha saído de lá com uma impressão muito diferente da senhora.

A primeira parte foi genial, a cargo dos Sian Alice Group, que se mostraram a Lisboa com um alinhamento propositadamente pensado para aquecer as massas. Devo dizer que resultou – aqui e ali batia-se o pé (as cadeiras não permitiam mais) com os ritmos de cariz experimental, excelentemente coreografados, com muitos e bons instrumentais. Via-se já uma Florence atrás das colunas, que se juntou a Sian Ahern para uma bela e tresloucada sessão de percussão.

Estava dado o mote para as horas que se seguiam – o carisma e a leveza de Florence Welch conquistou até os mais cépticos (e até há uns dias, posso dizer que era um deles). Com Kiss With a Fist via-se já uma audiência em pé, pronta para aplaudir e dançar, e com o raríssimo Hardest of Hearts dá-se, na minha modesta opinião, o melhor momento da noite: aquele em que pude saltar para os doutorais (eu e mais uns quantos… muitos quantos!) e ficar perto, muito perto do palco. Devo dizer que tinha perante mim uma visão estonteante do público, ampliada pelo espectáculo de luzes. Mas quando pensei que já não haveria muito mais que me surpreendesse naquela noite – a performance de Ms. Welch só por si tinha-me já deixado de boca aberta de incredulidade – ouvem-se os primeiros acordes de Dog Days Are Over e com eles uma Florence que pede uns saltos desenfreados ao público, que alegremente obedece – a vontade já durava há muito. Posto isto, a banda despede-se, não sem voltar para um encore com You’ve Got The Love, e uma Rabbit Heart muito bem coreografada que proporcionou uma despedida irrepreensível.

Deve-se dar também destaque à fã nº 1 que emocionou uma Aula Magna inteira quando recebeu uns abraços e umas flores da vocalista. Para a próxima (e haverá uma próxima com certeza) juntar-me-ei a ela na primeira fila, e aposto que não serei a única.

P.S. - Fotos não há, dada a minha inesperada presença no concerto. Mas podem ir ver as da Rita Carmo, que estão infinitamente melhor que qualquer uma que eu pudesse tirar. E aproveitam e lêem uma versão muito menos amadora da minha review.

por Ana Rita Almeida

Owen Pallett @ Teatro Maria de Matos

2010-03-11T10:00:00.002Z

O Deus do Maria Matos

Não, não estou a exagerar. Ontem à noite, e provavelmente na noite anterior, Owen Pallett, canadiano de nascença, Final Fantasy de nome artístico meio enterrado por problemas de copyright subiu ao palco do Teatro Maria Matos, em Lisboa, para ser recebido de braços abertos por uma plateia lotada que, das duas uma: ou achou o preço do concerto uma bagatela, ou ouviu falar do ínfame talento do Sr. Pallett com o violino e das suas inúmeras colaborações com Arcade Fire, Beirut ou Andrew Bird. De qualquer das formas o que vi foi uma plateia conquistada, encores sem fim, uma ovação em pé, e aqui e ali, uma lágrima ao canto do olho.

A minha surpresa ao descobrir que havia uma banda de abertura foi apenas ultrapassada pela surpresa de descobrir que era uma banda chamada Ava Inferi (se devia conhecer, peço desculpa a quem ofender com o meu mau conhecimento da cena musical portuguesa), que me pareceu um tanto ou quanto deslocada. Não tenho nada contra a musica gótica e afins, apenas acho que ninguém no seu perfeito juízo pode pôr o lirismo e vivacidade de um músico indie experimental no mesmo saco que os ritmos soturnos e obscuros de uma banda como os Ava Inferi. O desempenho da banda foi, como tal, inglório, mostrando-se a um público apanhado de sobressalto que desejava o fim do tormento.

Passando ao que interessa: o protagonista da noite depressa se apresentou a montar o palco, caminhando por entre os membros do staff como se um deles se tratasse. O palco não tinha qualquer tipo de decoração, e Owen apresentou-se com roupa preta. Os elementos comuns de uma performance – luzes, imagens e outros que tais – estariam ausentes naquela noite. Tudo o que interessava era a música.

O público ficou rendido aos primeiros acordes. A forma peculiar como Pallett constrói uma sinfonia – mesmo em frente aos nossos olhos, adicionando e sobrepondo notas umas sobre as outras, provocou um sorriso de afeição até aos mais resistentes. Com uma voz tímida e uma estonteante perícia com o violino, não resistiu a fazer conversa com o público. Não penso que tenha compreendido o fenómeno de massas que se criou à volta dele, e jocosamente tecia comentários sobre o quão mal uma ou outra música podia correr (egocentrismo à parte, certamente), aliados aos copiosos elogios à gastronomia e cultura portuguesas. Passadas umas quantas músicas (não sei quantas, não me obriguem a contar) apresentou a companhia da noite – Thomas Gill - o presumível faz-tudo da tour de Heartland, que engraçou com o público desde logo (e vice-versa), em parte pela presença de palco, francamente mais cativante que a de Pallett (talvez pela espécie de dança meia à Bob Marley misturada com uma bizarra moonwalk). Digamos que o rapaz tocava como se não estivesse em frente a uma audiência, actuando sempre como personagem secundária.

O alinhamento resumiu os três álbuns de originais de Pallett, numa primeira parte que se mostrou enérgica e muito cativante – atingido os píncaros com Keep The Dog Quiet e This Lamb Sells Condos . Os três encores que se seguiram mostraram decisivamente o respeito do público pelo talento da dupla, que aí revisitou temas de He Poos Clouds ou transformou a sonoridade pop de Fantasy de Mariah Carey numa irresistível sinfonia de violino. É seguro afirmar que os poucos que não estavam familiarizados com Final Fantasy ficaram irremediavelmente fãs, e unanimemente viram naquelas horas, dinheiro e tempo muito bem empregues.

por Ana Rita Almeida

These New Puritans - Hidden

2010-03-01T10:00:00.000Z

7,4

Estranho para não dizer "manhoso". Isto sobre a mistela que o Hidden dos These New Puritans é. A primeira vez que os ouvi, no Pluvial EP com um dos seus singles mais famosos e também no álbum de estreia, tinham mais tendência para um electro assumido e pouco mais girava à sua volta. Mas agora com este disco, as coisas mudam um pouco. Existem faixas com o único objectivo de intros, outros e interludes que partem duma zona absolutamente mais clássica onde os These New Puritans se estreiam. E quando digo "mais clássico" é mesmo para levar a sério, porque me estou mesmo a referir a música clássica que se vai cruzando com a electrónica dos TNP. O álbum não é nada de espectacular, basta até notar que as melhores faixas são Orion e Drum Courts. De resto vemos tentativas completamente falhadas de ganhar terreno nas discotecas, refiro-me a We Want War e Attack Music que realmente não têm ponta por onde se lhe pegue. Mas atenção que ainda tem que se ouvir White Chords e 5 como boas referências. De resto o álbum não é nada de especial. Trata-se apenas duma mistela de influências que faz a electro quase nem parecer electro. Nota-se a vontade de produzir um épico, mas ainda nem a meio do caminho estão.

Panda Bear @ Lux

2010-02-14T10:00:00.003Z

Quando um conjunto de pessoas se reúne para assistir a um determinado acontecimento, as reacções são universalmente dispares. É a natureza do ser humano. Assim, quando Noah Lennox entoou um embaraçado “obrigado” no fim do showcase do passado dia 13 no Lux, a sala irrompeu num agitado burburinho de opiniões. As que ouvi eram maioritariamente de desagrado, dada a tamanha expectativa que precedeu o concerto, e considerando o hype que o músico teve nos passados anos com a sua banda, os Animal Collective. Nunca fui testemunha assídua do trabalho de Noah e dos seus camaradas até ao aclamado Merrywater Post Pavillion, mas quando as intrincadas notas de Comfy in Nautica (Person Pitch, 2007) me soaram aos ouvidos, apercebi-me de que estava perante puro génio musical. O resto é história, e como tantos outros que rumaram ao Lux naquela noite, e na anterior, tornei-me uma fervorosa ouvinte da obra de Noah. A expectativa pulsava na sala no momento de abertura das portas. Lennox apresentou-se com um “boa noite” de quem já conhece o típico cumprimento português de longa data, entoado com o também característico medo de quem se aventura na nossa língua. Sem mais demoras, o ambiente escureceu, o projector acendeu-se, e a primeira nota ecoou das colunas, que nunca tinham presenciado um tão distinto espectáculo até à noite anterior. Panda Bear começou lentamente, tão lentamente como os seres etéreos que, com um sorriso exfusiante se atiravam ao chão no ecrã que o precedia. Manteu os olhos fechados durante a hora que se seguiu, não esperando qualquer tipo de reacção do público, que a medo, começou a ondular ao som dos sintetizadores, na sonolência de quem vive um sonho surrealista. Os acordes prolongavam-se no tempo e no espaço, sem pressa, sem nexo aparente, subtilmente sendo substituídos por outros, numa infinita sucessão de sons e sensações que o português não me permite expressar. Juntei-me ao palco e à crescente rapidez de ritmos. Juntei-me aos que me rodeavam – naquele momento todos parecíamos um só, despidos de todas as preocupações, sem pressa em pensar. Lennox soava como a paixão e a genialidade que todos lhe esperávamos. Ninguém contou foi com a descontracção com o que o fazia – não me pareceu que fosse de quem se apercebe do seu próprio talento e inspiração. Lá ao fundo, via tubarões e outras criaturas indiscerníveis, que se misturavam com cenas caleidoscópicas, coloridas, tipicamente Animal Collective, num prelúdio ao Oddsac. Mas nada disso interessava, apenas o som que hoje me parece um confuso ruído, como se tivesse acordado e imediatamente esquecido um sonho. Mas lembro-me de pensar que o disco que dali vai sair irá com certeza ficar para a posteridade.

Transpôr para palavras uma sensação tão exuberante é um trabalho árduo. Tudo agora me parece surreal, como se na realidade não tivesse mesmo estado lá, mas sim num mundo de fantasia que até à altura nunca tinha imaginado.

por Ana Rita Almeida

Seabear - We Built A Fire

2010-02-12T10:00:00.000Z

8,8

Melhor Música Nova

Já lá vai algum tempo desde que me deram a conhecer os Seabear, na altura sempre os cataloguei como uma coqueluche desconhecida para meio mundo. Uma banda que produzia música duma qualidade fora do normal e que para além de terem um disco denominado The Ghost That Carried Away que no seu todo era mais que bom, tinham aquelas músicas que se destacavam entre as demais e que para sempre ficaram comigo de alguma maneira ou outra. Libraries e Cat Piano entre muitas outras faziam as delicias aos amantes deste super-indie-folk que conseguiram meter a mão a este projecto tão pouco mencionado pelas massas que espalham por aí nomes da boa música. Parece que se saíram com um novo álbum e algumas diferenças marcam os Seabear de hoje com os passados. Diferenças a que podemos chamar mesmo melhorias. Em We Built A Fire os Seabear estão mais abrangentes musicalmente falando, integraram defenitivamente o violino em todas as faixas e o progressivismo está presente. Faixas divididas em partes totalmente diferentes que se conjugam em músicas que ficam como mais obras-primas dos Seabear. Além disso, tocaram num ponto que não tinham tocado no álbum anterior que é um lado mais rock e conjugado com os coros perfeitos e minimalismos de alguns instrumentos que dão vida à música como uma autêntica miscelânea de sensações sonoras. Fala-se de Softship e Warm Blood. Mas todo o We Built A Fire é mágico: as duas já referidas, Fire Dies Down, Cold Summer, Leafmask, In Winter Eyes e a finalizante Wolfboy fazem parte da confirmação dos Seabear como um fenómeno e não apenas um acontecimento passado.

Os Seabear quase que tocam no lado dos seus conterrâneos Sigur Rós, não no lado mais obscuro destes mas num instrumental que nos deixa aterrados com tanto sentimentalismo envolto em acordes e batidas, numa voz que ainda que distante parece que nos sussurra ao ouvido as letras de amores perdidos, conseguidos, futuros e passados. Quem não conhece Seabear, que pare para ouvir e que se prepare para se render ao som de mais islândeses que são mestrados em musical aproach.

Surfer Blood - Astro Coast

2010-02-10T10:00:00.000Z

7,9

Os Surfer Blood fazem claramente parte da nova vaga de bandas do good-feeling da guitarrinha toda gingona do indie. Podia perfeitamente meter-se entre Girls e Real Estate. O álbum começa com uma Floating Vibe que nos faz ajeitar na cadeira ou sofá ou "raio que o parta" de modo a ficarmos mais atentos ao que aí se segue. E segue-se Swim que pega com mais força e daqui sai-se para uma Take It Easy que mesmo não tendo nada para apontar, não deixou a possibilidade de não nos lembrarmos dos Vampire Weekend. Harmonix é a faixa que mais aptece ouvir depois do fim da audição. Não é a melhor, mas é mais aquela que mexe connosco. Neighbor Riffs, esta sim a melhor faixa, é das melhores instrumentais mais good-vibe que já ouvi, está de facto maravilhosa. Mais tarde em Slow Jabroni encontramos a irmã de Fast Jabroni que soa melhor que ela. Em Anchorage temos uma faixa que primeiramente se apresenta com uma uma diferente visão, mais estática desta mistela de surf-rock e indie que acaba num solo de guitarra algo brutal. E para acabar temos Catholic Pagans que é um bom fim para o Astro Coast que desde o principio se pareceu com uma nova promessa mas que rapidamente se esmoreceu. Sim, o Astro Coast esmoreceu porque dentro daquilo que é, ainda está muito longe dos Girls e Real Estate, cada um em seu extremo. Os Surfer Blood como meio termo não conseguiram aproveitar a vantagem de serem apelidados de "the next big thing".

Chew Lips - Unicorn

2010-02-08T10:00:00.000Z

6,9

À entrada para a audição deste disco tinha uma sensação muito próxima do entusiasmo mas à saída já não me sentia assim. Para já, a Solo que tinha sido lançada numa compilação da Kitsuné sabia-me bem, e não se encontrava no disco. Mas pronto, tive que seguir em frente. Segui em frente e ouvi todo o Unicorn e fiquei com aquela ideia de que tinha sido enganado. O álbum não é mau de todo mas de bom também não tem muita coisa. De entre 10 músicas da pop melódica futurista restam 4 para a contar a história. Play Together, que não sei se é só comigo mas por vezes soa-me muito a Gang Gang Dance; Karen onde já não via uma voz feminina tão bem envolvida numas notas tão melódicas desde Juanita Stein e sus muchachos nos Howling Bells; Toro que mesmo não se tratando da melhor faixa do Unicorn, parece-me a mais indicada para ser single e alimentar uma mentira criada em Solo; e Seven que terá o refrão mais orelhudo de todo o disco envolvido numa instrumentalidade que não inventa muito e consegue ser bastante jeitosa.

De facto, senti-me um pouco roubado. Esperava muito mais duma banda que fez Solo e que até esteve presente em Paredes de Coura em 2009. Com sorte, também a organização se sente roubada.

Hadouken! - For The Masses

2010-02-05T10:00:00.001Z

5,3

Os Hadouken! são tal como os Does If Offend You, Yeah? e Enter Shikari entre outros, mais uma das bandas a sairem da escola dos The Prodigy e Ministry Of Sound, que cresceram a ouvi-los, que por vezes são quase cópias em papel vegetal, mas que conseguem ser bem melhor que as próprias influências. Uns melhor que os outros, claro. E os Hadouken! serão talvez os menos dotados desse grupo. Se o Music For An Accelerated Culture já tinha sido uma coisa que era um pouco dificil de digerir, os Hadouken! chegam aqui e continuam igual. A primeira faixa chama-se Rebirth mas não vejo isso em lado nenhum. A já conhecida M.A.D. é a primeira faixa do For The Masses a aparecer que consegue ser minimamente audível. Isto continua assim até que chegamos a Mic Check. Que é ironicamente a melhor faixa do For The Masses porque soa muito a "Prodigy meets Lady Gaga". OK, sim, vou ser para sempre perseguido por ter usado «melhor faixa», «Prodigy» e «Lady Gaga» na mesma frase, custa. Ulgy até tem uns apontamentos que não são maus de todos e Lost tem um inicio mesmo à hit de verão do inicio da década que acabou faz uns dias. Apartir daqui, nem sei que dizer. Normalmente até só faço isto quando acabo por fazer reviews a álbuns mesmo maus, coisa que tenho em atenção de evitar. Mas Retaliate só pode ser descrita como uma verdadeira agonia do principio ao fim. A remix de Spor a Turn Out The Lights é uma grande candidata a pior remix de sempre e o que vale é a remix à mesma música mas por JFB não é tão má. Mas também nunca chega a ser boa. Concluindo, este disco ficava tão melhor sem as duas últimas músicas. De facto, os Hadouken! já passam há algum tempo o estado de wannabe porque mesmo não fazendo a melhor música do ramo, já conseguem sem qualquer dificuldade ser bastante superiores aos The Prodigy.

Hot Chip - One Life Stand

2010-02-03T10:00:00.001Z

8,0

Voltaram os mestres do electro indie, e voltaram e depois do Made In Dark trazem-nos este One Life Stand com algumas boas malhas e outras que nem tanto. Mas depois de o ouvir atentamente, não sei se é problema meu (palavra de honra), mas não vejo uma evolução no som dos Hot Chip. Acho que ficaram praticamente no mesmo sitio. Por vezes lá aguçam o dente a um som cada vez mais hit de dancefloor mas não é uma coisa comum a todo o disco. Temos também uma coisa que eu nunca ouvi nos Hot Chip que é uma balada bastante interessante que é a Slush com uma background voice que é deixar qualquer um com um sorriso na cara. Depois temos 3 belas músicas: são elas I Feel Better; a já conhecida One Life Stand que provavelmente seria a melhor faixa se depois dos refrões não viessem uns acordes de órgão que depois de tanta harmonia destruíssem uns quantos neurónios; e aquela que é realmente a melhor faixa depois da "desistência" da faixa referida anteriormente, a We Have Love! Esta sim vai buscar o lado mais dançável de One Life Stand e pelo menos está realmente bem construída ao contrário da faixa One Life Stand. Esta We Have Love tem poder, e é uma grande candidata a novo single dos Hot Chip. Quem sabe ao nível duma Ready For The Floor? Mas cada vez acho mais que os Hot Chip são isso - são uma banda com bons discos, mas que no final de contas são mais uma banda de singles que de álbuns - isto sem lhes querer tirar o mérito. Mas passaram o teste (mais uma vez).

Owen Pallet - Heartland

2010-02-01T10:00:00.002Z

Melhor Música Nova

8,4

Acabo de ouvir este Heartland de Owen Pallet, a transformação de Final Fantasy, a pensar que se calhar o rapaz já devia ter seguido este caminho há mais tempo. Por acaso, o adicionar alguma electrónica ainda que por vezes minimal ao folk mais clássico de Final Fantasy tem algum efeito nos ouvidos do ouvinte. Grande parte do disco tem grandes músicas como Midnight Directives, The Great Elsewhere, Lewis Takes Off His Shirt, Try With Mephistopheles. Mas são faixas como Keep The Dog Quiet (a minha preferida), Oh Heartland, Up Yours!, Flare Gun e E Is For Estranged que dão a verdadeira alma ao Heartland. Heartland é um lugar mágico da folk de hoje em dia, que inevitavelmente soa muito a Disney para piquerruchos. Não sei porquê, mas essa ideia vem-me sempre à cabeça sempre que oiço um folk com a componente mais clássica de violinos, violoncelos e contra-baixos. Já com Andrew Bird e Patrick Wolf acontecia a mesma coisa. Mas aqui Owen Pallet ao juntar um lado menos conhecido dele que é a electrónica conseguiu sair-se com sucesso. De facto, a aclamação deste disco não é de todo um abuso ou um hype. É real e fundamentada.

Makossa & Megablast - Marrakesh

2010-01-28T10:00:00.002Z

8,4

Já andava realmente necessitado. Fiz uma pausa grande no Afft'r 8 e parece que vai ter que se alongar pelo menos até dia 12 de Fevereiro que com sorte culminará com o concerto de Panda Bear no Lux. Entretanto e até lá, não vou ouvir muitos álbuns pelo que agora as coisas novas apenas me são dadas pela rádio e por alguns nomes falados na internet. Mas estava eu há uns dias com a rádio sintonizada na Antena 3 quando parei mesmo para ouvir o que se estava a passar. Tocava Marrakesh dos Makossa & Megablast e eu fiquei estasiado. Não parei enquanto não descobri esta música. E isso deu inevitavelmente para depois ser auto-pressionado a ouvir o mini-álbum todo. Foi então que decidi ouvir esta maravilhosa peça do electro house do fim de 2009 e ainda quase não parei de o ouvir. Não que no seu todo seja assim uma coisa super genial, até porque não é. Mas a Marrakesh (Part. 1 & 2) é um hino à música electrónica. A Juno Ride e a Ufo não são má de todas. De entre essas duas, qual a melhor? Não consigo dizer. Apenas tenho uma certa pancada pela Marrakesh que contém uma pequena intro que deixa de a ser à entrada de autênticos tiros industiais no nervo auditivo que se dá no início de uma das faixas provavelmente mais requesitadas para as pistas de dança de 2010. Não é um nome de 2010 mas certamente uma boa aposta para este ano. Aqui está um pequeno aperitivo para um re-começo que já não tarda muito!

Vampire Weekend - Contra

2010-01-08T10:00:00.004Z

8,0

Todos vocês sabem bem como é... Há coisas que são tão cliché. Como é o caso deste Contra, sucessor daquele que foi o melhor álbum de 2008 para nós. O primeiro álbum dos Vampire Weekend caiu com um imediatismo nos nossos ouvidos e soou tão bem, mas tão bem que será daqueles álbuns que nunca vão sair da minha prateleira. Já este Contra não soa tão bem. Não vamos dizer que é um álbum mau porque estariamos a dizer uma mentira. O que se passa é que nós somos mimados e a qualquer minima desilusão metemo-nos logo de beicinho a falar mal da banda. Mas também há outra coisa que se passa - a evolução do som dos Vampire Weekend para o lado mais perigoso - Quando há uns tempos atrás, lá para o Verão ouvi Discovery, pensei que lá por ter o Rostam Batmangli dos Vampire Weekend, isto nunca fosse inlfuenciar o som deles. E depois também há os L'Homme Run, antiga banda de Ezra Koenig. Nunca me passaria pela cabeça pensar que o som dos VW evoluiria para esse lado. Muito menos quando olhamos para o álbum de estreia e o vemos liberto de tanta tecnologia e mais apegado à simplicidade e à ausência dum certo glamour indie-electrónico. Hoje parece que já não é bem assim. Hoje o Contra conjuga mesmo é essa parte do indie-electrónico com aquilo que era a sonoridade da banda no álbum homónimo.

Para começar o disco temos uma Horchatta e White Sky. A primeira começa logo a mostrar-nos a tecnologia minimalista que começa a ser audível nas faixas dos VW. (Sim, audível, porque aquilo que vocês pensam que é um cello ou um violino, desenganem-se, é um orgão numa das suas muitas configurações por menos que pareça não ser muitas vezes.) Horchatta é uma faixa bem leve e no seu refrão ausente entoam-se uns canticos tribais e ao mesmo ear-friendly. Em White Sky que já era minha conhecida já lá vai quase 1 ano e meio não é surpresa. Foi feita durante os tempos do álbum de estreia (a par com Little Giant, uma das melhores músicas dos VW que provavelmente nunca vai ver a luz do dia!). Isso diz muita coisa, podia estar na setlist para entrar no disco anterior e acabou neste disco. Funciona mais como uma ponte de transição porque também se trata das faixas mais puras que podemos ouvir dentro do Contra.

Holiday é uma música com bem mais vida que vai agarrar o lado mais funk da banda de Koenig pela primeira vez dentro do disco. E depois vem o terror - California English. Até ao refrão a música é uma autêntica tortura bem ao género dos Discovery mas que ganha pelos seus interludes com a guitarra. E como se não chegasse, vem uma faixa ainda pior que esta dita California English que se chama Taxi Cab. Não sei quem disse aos VW para enverdarem por uma pop quase R&B que soa mesmo a hit de MTV. Que tiro ao lado.

Mas para remar contra a maré já temos Run que felizmente é logo das melhores faixas de Contra. Está assim a meio caminho da Bryn e da Campus e tem um refrão instrumental que apesar da sua simplicidade quase de criança, soa mesmo bem. Afinal de contas, não é isso que os VW eram até agora? E esta Run nem podia estar noutra posição no disco. Porquê? Porque depois vem Cousins.

Cousins já é single e é indiscutivelmente a melhor faixa do Contra. O efeito A-Punk está de volta, para esta faixa mesmo. É quase toda cantada com o pé no acelarador, é apaixonante e funky. As guitarradas presentes nesta faixa são algo de espectacular. E depois para fechar, um adeus à la Christmas commercial.

Giving Up The Gun é a invenção que vem dos L'Homme Run. Tal como as coisas que vêm dos Discovery, dá sempre para torcer o nariz. Mas ao menos esta apesar dos seus 2min e 45seg iniciais tem um solo de orgão até bastante fofinho. Diplomat's Sun também está dentro do mesmo espectro, mas esta tem lugar no pódio das melhores do Contra. Tudo porque não há grandes invenções. E também pelo seu refrão bastante orelhudo. Façamos uma equivalência - Diplomat's Sun está para Contra como One (Blake's Got A New Face) está para o Vampire Weekend. Provavelmente uma faixa para funcionar mais em público do que uma composição musical magistral.

I Think UR A Contra tem uns começos à la Animal Collective (e não me digam que os vejo em todo o lado, desafio-vos a ouvir também e a dizerem que estou errado!) mas que rapidamente se desvanecem para a presença superior dum piano ou até mesmo um bossa-nova fraquinho. Nada mais que outro tiro ao lado da banda.

Bom, parece que no ano que os Vampire Weekend voltam para defender o título, começam logo a perder. A evolução não foi tão boa como era esperada. As influências de Discovery e L'Homme Run estão demasiado presentes. Podiam perfeitamente estar mais escondidas. Só fazia bem aos ouvidos. Os fãs da banda não vão desgostar, afinal de contas têm Horchatta, White Sky e Cousins como máquina do tempo. E os que só agora os estão a conhecer têm Run, Diplomat's Sun e Cousins. Sim, deste disco apenas Cousins têm hipótese de ser realmente reconhecido para grande pena minha.

Para concluir só me resta dizer que acho que os Vampire Weekend desde que começaram a pensar no 2º álbum deram dois passos em frente. Deviam ter dado só um. Um de cada vez. Nota-se que falta uma certa alma e coerência ao Contra. A pressão de ter que lançar um novo disco já era grande de mais. Não conseguiram aguentar e a XL Recordings também não deve ter dado grande ajuda. Nem parece deles...

Delphic - Acolyte

2010-01-06T10:00:00.005Z

8,8
Melhor Música Nova

Se havia uma estreia pela qual eu esperava ansiosamente em 2010 era sem dúvida alguma a dos Delphic. Uma pequena banda das terras de Sua Majestade que de tão boa que já era antes de editar qualquer coisa, já tinha andado por meio mundo a dar concertos. E foi nessa altura, faz agora já quase um ano, que ouvi falar deles pela primeira vez. Lembro-me perfeitamente de ter lido uma descrição que os dava como uma obra em estado latente entre Klaxons e New Order. Fez-se o clique em mim. Consegui chegar a algumas faixas que foram agora editadas (don’t blame me, i’ts youtube’s fault!) e consegui aguentar até hoje. O dia em que consegui meter a mão em alguma coisa que é realmente oficial dos Delphic como quem diz, um LP. Custou mas finalmente cá está ele. Depois de Doubt, This Momentary e Counterpoint em single, apresento-vos a longa duração.

Já ouvi opiniões de que este Acolyte foi uma pequena desilusão. Vá lá, para mim não. É para começar o ano em grande! E para começar o Acolyte em grande, os Delphic fizeram também uma mágica e espectacular faixa intitulada Clarion Call. Uma mini-ainda-que-com-3-minutos-de-duração introdução ao álbum que começa em crescendo com um “We all have time to change” e que acaba mesmo em som épico. Um instrumental a puxar-nos para a pele de galinha enquanto esperamos que o disco comece realmente. Mas até aqui ele já está a ser brilhante.

Assim que Clarion Call nos deixa, vem a já conhecida Doubt. Para quem conhecia a Doubt anterior a esta deve ter pensado exactamente o mesmo que eu: “Deixa-me cá ajeitar os fones que não oiço graves nenhuns”. Realmente, é impossível ouvi-los porque a música sofreu algumas alterações, incluindo a perda de robustez por parte desta faixa. Só me resta pensar “mas quem é que foi o produtor deste álbum?”.

De seguida vamos para This Momentary que é outra daquelas faixas que vão bem fundo no nosso consciente, tocam-nos e depois desvanecem-se assim no ar. This Momentary é aquela coisa ao que nós gostamos de chamar “go fuck yourself” mas aqui é duma maneira mais leve. Porque apesar de ser daquelas faixas em que esperamos na sua totalidade por uma explosão, mas os Delphic, apesar de não nos darem a dita explosão, dão-nos um pequeno êxtase. E nós até nem achamos assim muito mau, porquê? Porque desde que a primeira faixa tocou que ainda estamos em estado de transe. Realmente, o mundo de Delphic é diferente. É verdadeiramente melódico como é em Red Lights e em muitas outras mas também junta uma parte electrónica que mais soa a experimental. É uma mistura que aos Delphic até saiu bastante bem!

Depois em Acolyte acontece isso mesmo que referi agora, uma mistura de melodias bastante pop até, com uma electrónica bastante madura, um pouco experimental. Post-rock do futuro? Na faixa Acolyte, o que acontece é uma sucessão de várias pistas em 8 minutos que fazem desta música uma instrumental mesmo linda, principalmente a parte final. Aquele bichinho agudo do suposto refrão não é espectacular?

Depois seguimos para Halcyon que é também uma das melhores faixas do disco. Esta é quase como This Momentary, tem uma uma primeira parte em que só predominam as vozes e só depois o instrumental. Mas o que Halcyon tem que This Momentary não tem é um refrão, que à primeira pode parecer digamos que “azeiteiro” mas assim que damos conta já estamos a desesperar por mais Halcyon. É uma faixa mesmo boa!

Depois seguimos para Submission. E voltamos à mesma pergunta de antes: “quem é que produziu este disco?”. É que se não bastava já diminuir em muito o poder da Doubt, aquilo que antes era a Submission foi agora reduzido a uma faixa que quase não tem pés nem cabeça. As vozes não encaixam e existem várias partes da música que não fazem sentido. Mais valia nem existirem. Parti para a audição deste disco com a ideia de que a Submission seria uma faixa muito boa desde Acolyte, e agora que chega o momento da verdade descobri que não nada mais que a pior faixa do disco. Uma desilusão que realmente custa a entrar.

Depois da desilusão que foi com a Submission, vamos então para a Counterpoint. Esta sim, aquela faixa que foi premiada por mim como sendo o 5º Melhor Single de 2009. Parecendo que não, esta Counterpoint é uma coisa mesmo monstruosa. É também a melhor faixa do Acolyte e em todas as suas versões a achei uma obra realmente muito bem produzida! É uma faixa bastante mellow tirada do futuro distante, linda como há poucas.

Depois segue-se a pequena Ephemera que funciona mais como uma intro para o álbum acabar em beleza com Remain.

E acabou, tanto tempo à espera duma coisa que passa num ápice. Mas isso não quer dizer que seja tempo mal aproveitado, porque não o é de todo. Realmente Acolyte é um álbum bastante bom e continuo a não ver onde há desilusão geral. Onde há desilusão deve-se uma coisa. Ficam duas perguntas: “quantas vezes utilizei a palavra «realmente» durante esta review?” e “quem produziu este disco?”. Realmente, se há algum culpado por os Delphic terem perdido algum do seu poder inicial é ele. Gostava de saber quem é pelo menos. Mas a classe de Clarion Call, This Momentary, Halcyon e Counterpoint fazem-nos esquecer de vez em quando que houve uma pessoa que tirou um pouco da alma aos Delphic. Bom registo este Acolyte, valeu o hype e sobretudo, valeu a espera.

Beach House - Teen Dream

2010-01-04T10:00:00.005Z

8,6

Melhor Música Nova

Já tinham passado uns aninhos desde a segunda longa-duração presente na discografia destes Beach House. Tantos aninhos que eles já passaram pela mística sala Maxime e pelo último cartaz do Super Bock em Stock. Mas da última vez que cá passaram, já traziam na sua mala de viagem umas pequenas previews do viria a ser este Teen Dream, afinal de contas, aquando da última visita, o disco já tinha sido terminado e produzido. Com isto levou à massa indie a aderir ao último concerto deles e também a desesperar pelo Teen Dream. Muito se escreveu, muito se especulou, mas finalmente, cá está ele.

Para grande felicidade de muita gente, os Beach House deram uma continuação bela ao dream-pop que já traziam. Bela se calhar não será o melhor termo, digamos antes, espectacular? Este disco tem pés e cabeça, tem coesão, e mesmo tendo (muitas) faixas que possam em qualquer altura ser transformadas em singles blockbusters de 2010, o Teen Dream nunca, mas nunca é visto como um molho de músicas mais que boas. Todas elas precisam das outras para soarem ainda melhor, são faixas cúmplices umas das outras. O som dos Beach House não evoluiu muito, (e ainda bem!) . No pouco que evoluiu nota-se algum uso de teclados menos usados nos registos anteriores (Lover Of Mine e Take Care.) Já não é o habitual orgão que soa a orgão tubular de igreja que dá uma certa misticidade às músicas dos Beach House, mas ele ainda continua presente. Já é um amigo de longa data sem dúvida.

Quanto às melhores faixas, num álbum como este, mais valia dizer que o Teen Dream é todo ele uma grande faixa de 49 minutos que é muito boa, o que não deixava de ser verdade. Mas como parte do protocolo a cumprir, referimos então: Silver Soul, Walk In The Park, Used To Be, Lover Of Mine, 10 Mile Stereo e aquela que é sem dúvida a melhor para mim Real Love. E pronto, acabei de referir 6 músicas em 10, pretty good, uh?

Beach House, para começar o ano não está nada mau. Recomeçamos mais uma vez o ciclo com um Melhor Música Nova, god bless us!

Os 25 Melhores Álbuns de 2009

2009-12-29T10:00:00.004Z

E pronto, chegámos ao fim do ano. Não é emocionante? É tão bom poder chegar a esta altura e fazer uma bela retrospectiva sobre um 2009 tão cheio de boas coisas. É normal que sejam mais as coisas más que as boas mas aqui no Afft’r 8 como somos um pouco limitados em termos de número de reviews semanais, demos sempre preferência aos discos que achávamos bons aos que achávamos maus. Talvez por isso quase não hajam negativas nos nossos registos públicos. E devia ser assim com quase tudo. Afinal de contas, prefere-se divulgar boa música ou má música? Mas voltando ao tema, sim, este foi um bom ano (como são todos, neh?). E vamos então divulgar os nossos melhores. Já é a 2ª vez que o fazemos. E a primeira vez que o fizemos até foi o primeiro post dentro deste sitio pertencente a uma pequena instituição (se é que assim a podemos chamar) que vai crescendo de dia para dia graças ao apoio dos nossos leitores. De alguns deles, até o apoio incondicional.

Mas passando à acção, vamos então entregar o prémio de Melhor Álbum 2009 que sucede à mais que maravilhosa estreia homónima dos Vampire Weekend de 2008. Lembrem-se que este prémio exclui à partida todos os EP’s e compilações existentes. Sim, as compilações Warp, Kompakt e Hyperdub ficam de fora. E só os álbuns que têm uma review publicada no site podem ser galardoados com os nossos prémios. E é aqui que vem o problema. E sabem porquê? Porque nós aqui temos noção que há muita coisa que não ouvimos porque não pudemos ou não tivemos tempo. Tanta coisa que hoje poderia estar na lista dos 20 melhores do Afft’r 8. Pedimos desculpa mas vamos colocar esta limitação em “problemas logísticos” a resolver para 2010.

É também de relembrar que o primeiro álbum made in Portugal a aparecer no final da lista é galardoado com o Prémio Melhor Álbum Português 2009. Para os mais curiosos que se perguntam “então mas afinal porque é que não fizeram uma lista à parte?”. Pois bem, não fizemos uma lista à parte por duas razões. Uma delas: não há suficientes nomes made in Portugal para fazer uma lista que seja bonitinha. E a outra: porque não achamos necessário criar uma divisão diferente para os produtos nacionais. A música portuguesa é de qualidade e é perfeitamente equiparável ao que se faz lá fora. Portanto pode constar igualmente na mesma tabela. De certa forma que até é prestigiante para qualquer nome nacional constar entre nomes internacionais. Mas é assim que queremos, e é assim que vai ser.

Parabéns a todos os criadores de tais projectos que foram animando a equipa do Afft’r 8. E parabéns aos leitores que nos acompanharam até ao final de mais um ciclo que é fechado hoje. Aqui vos deixo então sem mais demoras, os 20 Melhores Álbuns de 2009 para o Afft’r 8 cujo primeiro classificado recebe o prémio de Melhor Álbum 2009 Afft’r 8 e o melhor classificado nacional recebe o prémio Melhor Álbum Nacional 2009:

25º Animal Collective - Merryweather Post Pavillion
24º Cymbals Eat Guitars - Why There Are Mountains?
23º The Pains Of Being Pure At Heart - The Pains Of Being Pure At Heart
22º Dan Deacon - Bromst

21º Diabo Na Cruz - Virou!
20º Real Estate - Real Estate

19º Girls - Album
18º A Jigsaw - Like The Wolf
17º Dirty Projectors - Bitte Orca
16º Fever Ray - Fever Ray
15º Grizzly Bear - Veckatimest
14º Legendary Tiger Man - Femina
13º Omar Rodriguez-Lopez - Xenophanes
12º So Many Dynamos - Loud Wars
11º Monsters Of Folk - Monsters Of Folk
10º Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix

9º Noah And The Whale - First Days Of Spring
8º Sun O))) - Monoliths & Dimensions
7º Bat For Lashes - Two Suns
6º YACHT - See Mystery Lights

5º Aquaparque - É Isso Aí
4º b (fachada) - Um Fim-de-Semana no Pónei Dourado

3º Fuck Buttons - Tarot Sport
2º The Temper Trap - Conditions
1º The Flaming Lips - Embryonic

Portanto, e esperando que para o próximo ano tenhamos mais uma boa maquia de música de qualidade, vos desejo um feliz ano novo a todos os leitores e uma boa continuação do Afft’r 8. Tudo porque o conhecimento musical não se exibe, partilha-se!

Aquaparque - É Isso Aí

2009-12-25T00:00:00.000Z

9,1

Melhor Música Nova

Aquaparque é, sem dúvida alguma, um sonho tornado realidade. O sonho de ouvir experimentalismo cantado em português. E tão bem que é cantado e interpretado este experimentalismo tão amplo pelos Aquaparque. É Isso Aí, trazido pela Aquaboogie (sounds weird, uh?) é um álbum daqueles que dá mesmo orgulho de ser português. Nunca será tão bem recebido como qualquer 40.02 e Um Fim-de-Semana no Pónei Dourado de Peixe:Avião e b (fachada) respectivamente, mas isso é porque não joga no mundo ortodoxo. Sim, b (fachada também tem um pé nesse mundo, mas é só no campo ao qual gosto de chamar liricista). Os Aquaparque trazem um experimentalismo que é bastante difícil de definir ou de rotular. Vamos por partes:

O álbum começa com Dentro de Uma Baleia que ainda é das faixas mais pop graças ao refrão que mesmo sendo quase imperceptível, nos deixa a entoa-lo over and over again. Começa aqui a salada de sons heterogéneos que nos vão encher a cabeça nos próximos tempos.

Bem Bom começa com bossa-nova quase ambient surf pop mas que rapidamente se transforma numa coisa, (sim, coisa) que perde o momento relaxante e ganha em tensão ao passar desta pequena intro para uma sonoridade quase 8-beat retirado dum hit de quando o disco estava em alta. Aqui os Aquaparque mostram algo que os vai seguir muito neste É Isso Aí – o descompromisso para com a música. As passagens são totalmente descuidadas, não existe métrica. O objectivo de não perder tempo revela-se muito frustrante para o ouvinte numa primeira fase. Mas após um bocado, entranha-se. E se isso acontecer com sigo caro leitor, então é porque já está rendido aos Aquaparque.

Depois de ouvirmos a Ver Ao Perto, viajamos para Siga Para Bingo que é, decididamente, uma das melhores de É Isso Aí. Siga Para Bingo tem de tudo: um inicio com beats quase de hip-pop passados a ferro por sons oriundos das arábias bem ao estilo dos Yeasayer, que rapidamente é atropelado por outro sample mas agora mais virado para o reagge. E este sim é que é o escolhido para servir como base para a voz do vocalista. Super-Anti-Ortodoxo, mas completamente genial.

Conte-Os aventura-se mais na zona do épico: o orgão que soa misterioso e a voz que soa lá longe. Mas que soa rápida para o nosso gosto. Mas o ouvinte fica a ganhar quando ouve Mais Lento Que A Casa Dos Teus Pais que é também das melhores faixas do disco. Começa não se sabe bem se com a voz duma diva digitalmente alterada ou uma máquina deveras estranha. O beat entra sem qualquer previsão do ouvinte. Entra, fora do tempo, o que nos faz voltar à ideia de que os Aquaparque estão aqui para fazer as coisas à sua maneira. Maneira essa que de ortodoxo tem pouco ou nada. A voz entra suave e canta sobre esta mistura que teima em soar estranha.

Tom de Amuo tem um inicio que só por si já dava uma faixa perfeita, mas que na sua pequena duração de 2min e 4 segundos, a 20segundos do fim torna-se num pequeno som irritante que nos corta o êxtase.

Fantasma também tem um inicio que nos marca pela sua tribalidade e sonoridade pop ao mesmo tempo. Os Aquaparque eliminam o lado ritmico tribal e decidem então cantar sobre as pistas que compõem a faixa que também é das que ficam para recordar mais tarde. É de lembrar também que Fantasma também daquelas mudanças de direcção bastante estranhas.

Para terminar, Museu de Cera e Saúde acabam o disco duma maneira mais suave. Primeiramente, Museu de Cera parece que vai buscar os beats ao dubstep onde nem sempre soam da maneira mais convincente mas onde se passou a construir música elaborada doutra forma: mais complexa mas também mais distante do mundo mainstream. Saúde, a música que fecha o É Isso Aí, é uma faixa que é interpretada duma forma mais cristalina, e ironicamente, é a primeira a ter uma batida que vai de encontro ao resto das pistas. E é também das mais ear-friendly depois a iniciante Dentro de Uma Baleia.

Realmente, foi uma surpresa para mim descobrir os Aquaparque. Qualquer referência aos influenciáveis Animal Collective, ainda que presente, torna-se muito esbatido. Isto vai muito além dos Animal Collective. É muito menos ear-friendly que eles, é muito menos florido, bastante mais dark e muito mais complexo. Mas não é por isso que é mau. Muito pelo contrário. Os Aquaparque são sem dúvida dos projectos mais aliciantes que já ouvi ultimamente. E estou a falar a nível internacional.

Diabo Na Cruz - Virou!

2009-12-24T23:55:00.000Z

8,5

Melhor Música Nova

E quando o ano já estava mesmo quase a acabar, apresentam-se a nós os Diabo Na Cruz que tiram o lugar aos Humanos como o último super-grupo português a fazer boa música. Este álbum que dá pelo nome de Virou! Com uma artwork decididamente bastante engraçada, reside sobretudo na música tradicional portuguesa. Á qual alguns constituintes da banda gostam de chamar e sobretudo escrever “folquelore”. Não estamos só a falar de folquelore mas também de roque. Roque ainda que meio disfarçado. As guitarras ainda que quase tradicionais mesmo ao jeito de dizer “Virou!” apresentam-se tímidas mas ainda assim bem posicionadas nas faixas que complementam.

O Regresso da Lebre é uma intro ao álbum. Tão Lindo e Os Loucos Estão Certos é onde se ouve primeiramente o funk (ou melhor, fanque) e o indie ao qual já estamos acostumados dentro daquilo que tem saído da FlorCaveira. A fechar o álbum temos o trio Canção do Monte, Corridinho de Verão e Bom Tempo. Cada uma melhor que a outra que terminam em grande o disco. Mas será possivel falar neste Virou! sem referir Casamento e Dona Ligeirinha? Não! Casamento revela uma imaginação simplificada sem precedentes no disco para as letras. Sem dúvida espectacular. E quanto à Dona Ligeirinha, pois bem, a melhor faixa do disco só perde mesmo na pressa. Se existissem pontes para as diferentes partes da música estaríamos a falar duma música praticamente perfeita, mas como não existem, é só uma grande grande faixa! Adoro ver a música portuguesa tão viva!

Os 20 Melhores Singles de 2009

2009-12-16T10:00:00.000Z

Chegámos a uma altura do ano em que temos que olhar para trás e fazer o levantamento de quão bom foi este ano, musicalmente falando. Hoje, damos especial atenção à unidade que compõe um disco, a música em si. E como este ano tivemos assim cada “brutalidade” de música e em quantidades absurdas, tivemos que nos limitar a singles. Claro que assim, há muita coisa que não aparece nesta lista que à partida ia constar. Mas ao menos assim conseguimos fazer uma lista bem bonita e ter razões para não ter cá artistas que “sim senhor”, mas para muita pena nossa, ou singles foram mal escolhidos ou então nem sequer editaram nenhum single. Pronto, eu sei que vocês querem ver isto, não vos maço mais.

20. No You Girls - Franz Ferdinand
19. Audacity of Huge - Simian Mobile Disco
18. Oblivion - Mastodon
17. I Felt Stupid - The Drums
16. Stillness In The Move - Dirty Projectors
15. We Are The People - Empire Of The Sun
14. Lust For Life - Girls
13. Triangle Walks - Fever Ray
12. Young Adult Friction - The Pains Of Being Pure At Heart
11. Psychic City - YACHT
10. Sweet Disposition - Temper Trap
9. Cotopaxi – The Mars Volta
8. New Bones - So Many Dynamos
7. Surf Solar - Fuck Buttons
6. Two Weeks - Grizzly Bear
5. Counterpoint - Delphic
4. My Girls - Animal Collective
3. Science Of Fear - The Temper Trap
2. Bulletproof - La Roux

1. The Reeling - Passion Pit

Animal Collective - Fall Be Kind EP

2009-12-07T10:00:00.003Z

9,2

Melhor Música Nova

É mais que óbvio que depois de Merryweather Post Pavillion há altas (altíssimas) expectativas para este novo EP dos Animal Collective que acabou por ser confirmado um pouco às três pancadas. Notícias à parte, o dia de ouvir o que se segue na sonoridade dos Animal Collective depois do muitíssimo aclamado álbum de Janeiro deste presente ano, chegou. Chegou e felizmente, com uma grande surpresa.

Graze começa com um jeito muito experimental e dream pop ao mesmo tempo, com uns “let me begin” entrelaçados pelos sons oriundos duns inconscientes bastante conscientes que são os dos integrantes dos Animal Collective. à medida que o tempo vai passando, toda a música se vai mutando. Havendo mesmo uma quebra progressiva dos sons esquizofrénicos que residem na cabeça duma criança a brincar num baloiço, para um uma coisa mais melódica que inclui pianos e um alongamento com eco da voz de Panda Bear que é acompanhada quase em sussurro por Avey Tare. Começa um crescendo, voltam os “let me begin” e começa também a batida que até agora estava ausente. O que se sucede é indescritível. Uma autêntica brincadeira de sopros com flautas ou qualquer coisa do género que dá um ar bastante primaveral à faixa. Se nos remetêssemos para o Merryweather Post Pavillion, isto seria o equivalente à Brothersport mas estranhamente, não tem nada a ver.

What Would I Want? Sky começa com umas brincadeiras “technocistas” e minimalistas em crescendo que começam a ser acompanhadas por grunhidos dos quais não se retira nada. Easy boy, não se retira nada em termos de informação, porque eles até lá ficam muito bem dando um ritmo arítmico à faixa traçando-lhe o caminho. É nesta faixa também que os Animal Collective decidiram usar a primeira sample licenciada dos Grateful Dead. Acção que já tinha sido anunciada há muito. Mas tudo isto que se prolonga por mais de 3 minutos é apenas uma intro para a faixa em si. “what would I want? Sky” é repetido por de trás de tudo enquanto a comitiva canta por cima desta mistela de samples estranhamente ridículos que soam mesmo bem ao ouvido. Nesta fase da música, os Animal Collective encontram-se mesmo dentro da cena de Nova Iorque devido às influências urbanas (leia-se R&B) na faixa.

Bleed é a faixa que se segue e é aquela que até agora se torna na faixa mais naturalmente Animal Collective, podendo ser colocada numa zona próxima de Feels. Bleed começa com um pequeno discurso duma voz digitalmente alterada ficando num tom grave, próximo do fatalista. Assim que se salta desta voz começa um dueto com uma voz próxima de nós e outra bastante longe como que a falar para o vazio apenas por gosto. Esperado que alguém oiça a sua voz atentamente. E é com alguma facilidade que somos empurrados pela voz que nos é mais próxima como se de um pai se tratasse a por o seu filho à sua frente para poder desfrutar de elementos da natureza mais facilmente sem ter medo. E aqui qualquer ouvinte fica maravilhado ao ouvir esta voz que parece vir dos confins mais mágicos. O dueto prossegue nunca em termos de desafio mas mais como uma cumplicidade de dimensões diferentes que necessitam uma da outra para co-existirem. E a faixa assim prossegue, repetindo várias vezes. Mas infelizmente a faixa acaba cedo demais para o ouvinte. O ouvinte pedia por uma outro mais moderada e mais suave depois do transe em que foi colocado. É quase como ter que se levantar da cama depois dum bom sono que não nos satisfez na totalidade, mas que independentemente do que dormimos, temos que começar um novo dia.

O início da On A Highway é retratar aquilo em que uma pessoa, por mais de acordo que esteja, nunca consegue concordar. A concepção da pop alternativa, que em teoria não existe por ser um completo crash de dimensões completamente opostas que têm entre si todo um universo musical, está presente nesta faixa. O instrumental, ao qual nem se devia chamar instrumental porque não é, mas na falta de melhor lá terá que ser, está bem conseguido, e é nesta faixa que pela primeira vez estamos perante ritmos básicos que já não arrítmicos. Desta vez seguem padrões temporais e pista da voz que volta a aparecer em termos de dream pop com suspiros colocações repetitivamente diferentes de voz até um refrão trissilábico composto unicamente por vogais. Lá está o efeito pop, o chegar aos ouvidos com refrões bastante orelhudos que se aprendem a cantar ainda nem Panda Bear acabou a sua parte. On A Highway é também a faixa mais dark do disco, não que isso signifique que deixe de ser pop, antes pelo contrário. Porque o resto é que é demasiado florido e colorido. O termo demasiado fica aplicado em teoria, porque até agora, este Fall Be Kind EP tem quase tudo no sítio.

Ao virar para a última faixa do disco batemos contra a neo-psychadelia dos Animal Collective, acelaradores de loops, teclados e chilrear de pássaros co-habitam na mesma faixa. Co-habitam e arranjam mais uma companhia. A companhia das vozes em coro em jeito tribal acompanhadas pelas batidas também tribais. O que é certo é que soa estranho porque os teclados quase post-punk dançável continuam a estar lá. E é então que cada unidade que compõe a faixa até agora começa a divergir e cada uma comporta-se da maneira que mais gosta como se não houvesse regras ou leis que ditassem a estabilidade deste universo. Até o coro se separa tendo uma voz a querer pisar a outra. Mas é com jeitinho e progressivamente que eles lá vão voltando atrás, convergindo para uma voltarem às tocas onde todos co-habitavam. Depois do mini-solo do sample do teclado, volta tudo a estar em harmonia e o anterior “let me begin” de Graze transformou-se em “will I get to move on? Soon” como quem não quer a coisa e diz que já chega. Como a concepção dum episódio televisivo para qualquer criança em crescimento que ainda só sabe rir em frente à televisão. Rapidamente essa frase se transforma em “I think I Can” dando-lhe mil e uma voltas e separando as palavras umas das outras, repetindo umas, quase omitindo outras, esta pequena frase torna-se o epílogo deste Fall Be Kind EP. Assim que as vozes são cortadas repentinamente, viajamos para um quase-órgão-alternativo de igreja que se transforma num chamariz para o chilrear os pássaros que voltam. Que voltam, mas que fogem também rapidamente na medida que quase são os únicos na composição musical do momento. E posto isto, acordamos.

Os Animal Collective tinham prometido uma coisa mais sombria, e ao que parece não nos enganaram de todo. Nós é que nos metemos a matutar sobre o que é uma coisa sombria para os senhores, uma vez que só conhecemos o lado bem-disposto da comitiva de Geologist, Avey Tare e Panda Bear. A nossa concepção de sombrio nunca andaria por aqui, mas eles ao fazerem isto não enganaram ninguém. O ponto da questão está mesmo aí: mesmo que uma pessoa tente pensar como eles, não consegue devido à elevada complexidade-simples-ridiculamente-childish-e-psicadelicamente-óptima. Por mais que tentemos, a cabeça deles não está ao nosso nível. Talvez porque nós crescemos, eles não. São apenas crianças que brincam inadvertidamente com música e que nos atiram com as inovações e evoluções mais importante do mundo indie duma forma quase ingénua. Ingénua e imprevisível! Porque é isso que os Animal Collective são, imprevisíveis.

Wolfmother - Cosmic Egg

2009-12-04T10:00:00.002Z

7,5

O regresso era mais que esperado e o sucessor do disco homónimo de estreia dos australianos Wolfmother já tinha sido prometido há muito tempo. É com uma expectativa grande que nos lançamos para a audição duma das bandas que vivem no revival dos 70’s. Revival esse, talvez o mais prometedor deles todos. Tudo porque os Wolfmother quase conseguem ser a junção dos Led Zeppelin e dos Black Sabbath (que por sua vez já foram confirmados como influências) e misturar bem e fica ao gosto de cada um por o Axel Rose de Apetite For Destruction como frontman dessa mistura.
Este segundo álbum nunca está ao nível do primeiro e estrondoso disco, mas não se comportou mal de todo. A banda cresceu, houve várias saídas da banda e hoje os Wolfmother só já têm um elemento em comum com os seus primeiros dias. O vocalista Andrew Stockdale, que é verdadeiramente responsável por tudo o que se faz com o nome Wolfmother. Mas sim, a banda cresceu e já não tem aquele apetite para o rock destrutivo, seco e sexista que um jovem a sair da puberdade ouve até mais não. Agora estão mais moderados e as guitarradas só quase existem num crescendo para o refrão. Tirando alguns solos muito bens feitos ao virar para o fim das músicas (In The Castle).

Primeiramente o disco é-nos bastante estranho. As boas vindas são dadas por California Queen mas seguidamente exitem umas coisas bastante “fora” quando comparadas com os antigos Wolfmother. New Moon Rising tem um dos melhores riffs do álbum mas não é bem aproveitado; White Feather é um rock que vira mais para o rockabilly punk dos 70’s e 80’s. Sundial é uma boa aposta mas é de seguida que se encontra uma coisa que não esperava de todo: In The Morning mais tarde Far Way são coisas que não esperava nadinha de ouvir vindas da banda australiana. Quer dizer, agora viraram também para as baladas para agradarem a gregos e troianos? (Querem agradar à Rock-A-Rolla e à NME ao mesmo tempo?) Mas vá lá, há tantas outras músicas que conseguem superar este desgosto momentâneo. São elas: 10,000 Feet, Cosmic Egg, Cosmonaut e Back Round. E como já tinha referido anteriormente, o fim da In The Castle é alguma coisa.

Com este álbum, os Wolfmother querem dinamizar o seu repertório musical. Alargar horizontes e explorar outras zonas do hard rock. A homogeneidade que predominava no disco de estreia foi agora banida em Cosmic Egg. Para uns é mau, para outros é bom, e para os Wolfmother é simplesmente vantajoso.

Real Estate - Real Estate

2009-12-02T10:00:00.000Z

8,5

Melhor Música Nova

Não foi há muito tempo que li que os Real Estate eram a bonança no meio de tanta chuva que nos atormenta estes dias. E pelo que ouvi, quem o escreveu não estava nada enganado, visto que os Real Estate são a coisa mais bem-disposta para ouvir nestes dias. Realmente, os Real Estate usam um ambient (que muitas vezes faz lembrar Deerhunter) indie pop que maravilha toda a gente, principalmente com a guitarrinha que lá anda perdida no disco a espalhar magia.
Para quem ouvir o disco à primeira, vai certamente pensar que isto que eles fizeram não é nada de novo e… Realmente não é. Mas aqui há algo a mais que tantos outros projectos não têm. Vou tentar dizer o que é: basicamente, os Real Estate trazem para o disco homónimo uma calma interior e um feeling de good vibes e toda uma boa disposição a rondar o estilo zen que, enfim, contagia-nos. Mal damos conta já estamos aqueles gestos parvos de como quem toca guitarra como o Jimmy Page, mas num cavaquinho, com um sorriso completamente estúpido de quem não sabe o que está a fazer. Simplesmente está a fazer algo que lhe apeteceu. Mais coisa, menos coisa, os Real Estate têm essa diferença para com o resto do panorama donde eles vieram.

O disco está muito bem composto e deixa o ouvinte completamente mimado. Se a boa disposição já nos levava quase ao tempo de criança, agora ainda nos leva mais ao tempo de criança mimada. É que tendo uma música como Beach Comber a abrir o álbum Real Estate, faz-nos querer sempre mais e mais e nunca menos. Na realidade, há poucas faixas que não estejam ao nível de Beach Comber, mas há muitas mais que estão muito acima. Logo a seguinte Pool Swimmers consegue ser melhor, mas!... Oiçam o trio Atlantic City, Fake Blues e Green River. É de bradar aos céus de tanta e enorme qualidade!
Grande, grande disco este dos Real Estate neste quase final de ano. A constar nas listas de melhores de 2009, certamente. Alguém aposta?

God Help The Girl - Stills EP

2009-11-30T10:00:00.001Z

7,7

Olha, olha quem são eles. Quem mais poderia ser se não o nosso adorável projecto God Help The Girl de Stuart Murdoch? Depois do álbum homónimo de estreia, os GHTG trazem-nos um pequeno EP de 5 músicas. Quando comparado com o álbum de estreia, o EP não traz nada de novo. He’s A Loving Kind Of Boy tem um instrumental até bastante bom que, à partida, terá ficado de fora do do LP, mas que foi usado para o EP e que infelizmente, teve o azar de ser o Stuart a cantar por cima das pistas. Digo infelizmente porque se alguma das senhoras que compõem a elite feminina do LP estivesse a cantar nesta música, aí estaríamos perante uma das melhores peças da discografia dos God Help The Girl. Em vez disso, estamos apenas perante uma música que apenas se aproveita o instrumental. Sitio onde se aproveita o instrumental e a voz é em Stills, faixa que dá o nome ao EP. Stills é uma música bastante cliché no mundo pop mas Stuart Murdoch consegue adicionar-lhe o sal que faltava. Baby’s Just Waiting também é uma boa faixa. Mas pronto, não há assim nada de novo neste EP dos GHTG. Estava à espera de um pouco mais porque depois do álbum de estreia que sim senhor, estava muito bom e este agora passou-lhe um pouco ao lado. Mas ao menos os God Help The Girl ficaram com uma discografia mais rica. Desde que continuem assim, não há necessidade de fazer muito melhor.

Bear In Heaven - Beast Rest Forth Mouth

2009-11-27T23:59:00.009Z

7,5

É estranho Beast Rest Forth Mouth se conformou na minha cabeça como uma espécie de Yeasayer. De facto, existem algumas parecenças, isso não é mentira. Mas também existe um psicadelismo pop muito leve que ronda o o indie rock (Ultimate Satisfaction) e um estilo mais sintético também (Casual Goodbye). O álbum não tem uma música que se destaque das outras. Mas se isso parece mau, vejamos antes ao contrário: não tem nada de mau, é consistente e coeso. Tem alguns bons apontamentos como You Do You, Lovesick Teenagers, Dust Cloud, Fake Out e Casual Goodbye. Não é um álbum relevante em 2009, mas em 2010 quando ouvirmos barulhos vindos destas zonas, já pode haver quem lhes tenha melhorado a fórmula para fazer mais e melhor música como os Bear In Heaven fizeram em Beast Rest Forth Mouth.

Noah And The Whale - First Days Of Spring

2009-11-25T10:00:00.001Z

8,8

Melhor Música Nova

É certo que não esperava isto, mas ouvir Noah And The Whale foi das melhores coisas que podia ter feito nos últimos tempos. The First Days Of Spring tem mesmo aquela coisa acolhedora que nos faz crescer aquele calor interior de boa disposição. Este fantástico disco, ainda que toque sempre muito perto do nosso coração, a felicidade da Primavera não é o que se retira. O que se retira de Primavera são vários momentos muito pós-rock, que tal como os já consagrados Sigur Rós fazem, com grandes compromissos com a natureza mais perdida nos imaginários de cada um. Não que o pós-rock possa ser retirado daqui como uma referência ao som dos Noah And The Whale, porque não é. Talvez possa, se pensarmos num pós-rock muito Andrew Bird com o estilo de Chris Martin para encurtar as notas e as temporizações dos versos que acabam duma forma sublime. O que está mais próximo que esta pseudo-Primavera é o declínio dos bons fins de tarde de Verão para o chegar do frio do Outono. Outono porque, parecendo que não, o disco é muito deprimente (ouvir com atenção as letras) mesmo que o instrumental não o faça transparecer. Muito pelo contrário até! As tonalidades cada vez mais sombrias são perfeitamente adequadas ao “if you gotta run, run from hope” de Love Of An Orchestra; ou mesmo My Broken Heart e Blue Skies.

Noah aqui faz lembrar a típica criança que sempre quis ter um pé num país e outro noutro, apenas movendo-se sobre a linha da fronteira. E é basicamente isso que ele faz: um pé no folk e outro no pós-rock-ainda-que-com-guitarras-bem-agudas-e-coros-a-cantar. Mas também há que reter a maneira como The First Day Of Spring, faixa que dá nome ao disco, está tratada com muita delicadeza fazendo com que na sua duração de 6min39 não se perca nem um segundo. A descortinar existem ainda as duas instrumentais que antecedem e sucedem a Love Of An Orchestra respectivamente. A I e a II. A I é simplesmente mágica!

Claro que não podemos falar deste disco sem referir Strangers e My Door Is Always Open. A primeira soa mesmo a um dream-pop mais folksiano e a segunda, bem a segunda nem vale a pena falar. Porque na minha pessoal, qualquer coisa que faça de máquina do tempo para o Parachutes de Coldplay, soa arrepiantemente bem. É praticamente impossível escolher uma música no meio desta diversidade limitada pelas fronteiras já referidas anteriormente. Ao menos essas fronteiras foram muito bem delineadas. Deram espaço suficiente ao Noah para escapar aos dilúvios da folk. E assim ser um dos melhores nomes de 2009 dentro do género.

Frankmusik - Complete Me

2009-11-23T10:00:00.002Z

6,8

Parece-me praticamente inevitável chamar Frankmusik o La Roux no sexo masculino, porque é isso mesmo que parece. Num futuro próximo, Frankmusik é a pop normal. Mas nos dias de hoje é o neo-pop ou electro-pop que junta uma onda funk e disco completamente retirada das sociedades das metrópoles dos transportes flutuadores. Frankmusik é um projecto interessante, mas que no disco Complete Me tem dois lados bastante diferentes. Um em que se dispara sempre ao lado, e outro da boa música que é reflectida nas influências das electrónicas bem aplicadas em Complete Me. Frankmusik, ainda que bem equiparável às últimas coqueluches da MTV, tem muito mais que elas. Frankmusik é um projecto desafiador às normas de utilização das maquinarias que já antes tinham sido bastante alteradas com a entrada de La Roux e Passion Pit no esquema da neo-electro-pop. Destacam-se In Step, Better Of As 2, When You’re Around e Time Will Tell. Este ano já é moda viver o futuro no presente.

Dinosaur Jr. - Farm

2009-11-20T10:00:00.002Z

6,6

Outro nome obrigatório antes que o ano acabasse eram estes Dinosaur Jr. com o reconhecido Farm por muitas outras entidades. O que é certo, é que não é assim tão reconhecido por nós. Não sei se é especialmente neste disco ou se os Dinosaur Jr. são mesmo assim, mas ficam muito aquém do que se faz de melhor no género. Sim, sim. Eu falo de Dinosaur Jr. sem saber o que vem de trás do Farm. Aliás, o Farm é a primeira interacção que tenho com a banda. Normalmente, não o faria, mas acabei por ceder ao fazer isto da review ao Farm, uma crítica muito pouco profissional (ao menos admito que agora o é). Mas indo directamente ao que interessa, este Farm não me soou muito bem ao ouvido. Soa demasiado a rock convincente, cheio de apontamentos exagerados de uma guitarra rockabilly. E para ajudar, sente-se a voz do vocalista muito perdida no meio da floresta sonoramente densa onde não há realmente muita coisa. Farm é mais vistoso do que aquilo que realmente é. O fogo de vista que é dado pelos (mil) solos que existem neste disco é muito ofuscante. E como existe em demasia, e como em nenhum dos casos em que existe, é bem empregue, é um ponto negativo contra a concepção musical de Farm. Destaco unicamente Plans no meio de 1h de música que é no fim, o que fica quando se espreme o disco. Muita, muita fruta, mas muito pouco sumo.

AutoKratz - Animal

2009-11-18T10:00:00.001Z

8,2

Desde há muito que me ando a esquivar dos mundos negros da música electrónica, que apesar de negros não terem nada, agarram e sugam uma pessoa para o lado electrónico puro. Sempre tive medo e continuo a ter de um dia só estar à vontade num género musical. E o mundo da electrónica pura, é um desses géneros musicais a que uma pessoa se prende sem mais nem menos e quase não dá conta. Mas como ouvinte de música, é óbvio que nunca queria um género me passasse na totalidade ao lado. E este ano já se cá falou de Simian Mobile Disco e até Gui Boratto! Isto sem contar as inúmeras presenças da chancela da Hyperdub no Afft’r 8… Mas desta vez voltei a ir ao encontro da música electrónica pura, mais precisamente ao encontro de AutoKratz com Animal. Animal é uma mistura heterogénea de música capaz de rodar nas pistas de dança mais próximas dum evento socialite, e uma música mais deixada à maré das batidas mais psicadélicas do acid-house. Destacam-se The Indians Are Winning, Gone Gone Gone, Past Your Heart e a melhor faixa de Animal, What You Want.What You Got que é bem capaz de ser minimamente reconhecível ao ouvido de muita gente. Mas Animal é sem dúvida uma boa aposta neste mundo. Possivelmente dos melhores do género neste ano.

Them Crooked Vultures – Them Crooked Vultures

2009-11-16T10:00:00.001Z

7,4

Chegou a altura de ouvir aquele que é o álbum que mais sofre do famoso hype. E porquê? Porque a banda que interpreta este bonito disco é constituída por 3 grandes senhores. Dois deles são dois pesos-pesados no rock mainstream da actualidade. E outro é apenas um dos maiores baixistas de todos os tempos. Falamos portanto de Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters), Josh Homme (leCockSportif, Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal) e de John Paul Jones (Led Zeppelin) respectivamente. Ao vermos quais são os pontos mais importantes desta bonita equação, é praticamente impossível não pensarmos logo “ui ui, o que aí deve vir”.

E como é normal num disco que se espera muito, elevam-se as expectativas até ao dia em que o podemos ouvir. Por estes lados já se ouviu, e até ficamos com uma boa impressão daquilo que ouvimos. Não o suficiente comparado com aquilo que queríamos. Nem sempre uma super-band faz um super-álbum. O que é pena sim, mas mesmo assim, não se saíram mal de todo. Them Crooked Vultures é um álbum longo de mais de 1h que tem de tudo. Como seria de esperar, a parte de Queens Of The Stone Age está lá. O álbum é maioritariamente agressivo. Não da maneira comum mas da maneira mais adulta. Controlada. Por vezes até demais porque na segunda metade do disco, Them Crooked Vultures torna-se muito igual, demasiado homogéneo ao ponto de perder minimamente o interesse. O que vale é que há faixas que vale a pena ouvir para voltar a ganhar interesse no disco. Elas são a No One Loves Me & Neither Do I, a espectacular Gunman e aquela que é certamente a melhor faixa do disco, Elephants.

E foi assim que mais um caiu às graças do hype que tanto se agarra às bandas e nos leva ficarmos desapontados na hora da verdade. Os Them Crooked Vultures podem não ter provado aquilo que queríamos, mas ficaram a léguas daquilo que cada unidade que compõe os TCV prova(va) nos seus respectivos projectos. Mas isto ainda tem muito por onde crescer. Mesmo sendo um projecto maduro, tem por onde inovar e fazer melhor.

Dananananaykroyd - Hey Everyone!

2009-11-13T10:00:00.002Z

7,0

Desde que comecei a ser bombeado por Dananananaykroyd por todo o lado que comecei a pensar que se calhar valeria a pena ouvir o disco de estreia dos rapazes. Mas soa-me que são muito sobrevalorizados. Se calhar até têm mérito, mas a mim não me soa assim tão bem. Quer dizer, o disco não é mau de todo, mas pronto. Estes rocks indiezados que vão respirar algumas influências aos Los Campesinos! e outros tantos similares, quando uma pessoa já ouviu mil e uma coisas destas, de certa maneira que já chateia. Talvez por isso este Hey Everyone! não tenha caído assim tão bem nos ouvidos. Há faixas bastante boas até, Totally Bone, One Chance, Some Dresses e Hey James ficam para contar mais. Mas sempre esperei mais. Tanto hype que já existia dentro da minha cabeça para agora chegar aqui e desvanecer-se tudo. Espero mais do próximo, se é que eles são assim tão bons.

V/A - 5 Years Of Hyperdub

2009-11-11T10:00:00.001Z

7,3/7,2

Eu por acaso acho bastante excitante uma editora realmente boa lançar um mini-best-of do que se fez de melhor na editora. A Kompakt já faz isso há algum tempo, recentemente a Warp também fez (coisa que espero que não falte dentro de algumas semanas) e a Sra. Hyperdub estreou-se agora. Estreou-se agora porque faz (ou melhor, fez) 5 pequenos aninhos mas já com muito para contar. A Hyperdub nasceu já há uns aninhos, criada por um senhor cujo nome dá por Steve Goodman mas que é também conhecido por Kode9. Kode9 esse que também tem a sua parte dentro da bonita compilação de dois CD's. São dois CD's, cada um com 16 músicas do que melhor se fez na editora de dubstep. Havia muita coisa que desconhecia ainda, e até tive boas reacções. Há que destacar na primeira parte Time Patrol de Kode9 com The Spaceape, a espectacular Disco Balls de Flying Lotus, nome esse que até é bastante conhecido. Obviamente, Fostercare de Burial, e as presenças de Mala, Martyn e LD. E sem nunca esquecer, aquele que para mim é o verdadeiro génio da Hyperdub, Zomby, com Tarantula.

Depois do intervalo que é a troca de CD's, os highlights da segunda parte são South Lodon Boroughs de Burial, as duas presenças de Zomby, ainda que uma seja remix. E também Ikonika e 2000F & J Kamata com You Don't Know What Love Is que também é uma peça bonita.

Eu gosto muito destas compilações, uma vez que os artistas que entram nelas são reconhecidos como parte de algo, e para além disso, o melhor de algo. Neste caso, duma das editoras mais importantes da década. A que originou o boom do dubstep e a que nos trouxe nomes fantásticos como Burial e Zomby. À Hyperdub, os parabéns e que continuem em forma!

Julian Casablancas - Phrazes Of The Young

2009-11-09T10:00:00.001Z

6,8

Eu não me custumo rir do mal dos outros mas de certa forma que desta vez teve mesmo que ser. Quer dizer, os The Strokes fazem 3 bons álbuns, alguns dos quais perfeitamente enquadráveis nos padrões que citam “as maiores influências do século XXI” e depois param por um pouco. Há um Sr. Guitarrista dos The Strokes que podemos chamar de Albert Hammond Jr. que se sai com um disco a solo até bastante aceitável e depois, o Sr. Mentor dos The Strokes, a quem podemos chamar Julian Casablancas que depois do sucesso dos Strokes quis parar a banda um pouco, viu lá o endiabrado do guitarrista a fazer coisas bonitas e pensou para ele próprio “será que também devo fazer alguma coisa assim?”. Pá, eu acredito que ele tenha muito tempo livre com a paragem de alguns anos dos Strokes, mas talvez não fosse necessário apostar neste álbum a solo. Phrazes Of The Young é nalguns momentos perfeitamente considerável um First Impressions Of Earth Continues. Nos momentos restantes é demasiado catchy-pop. Ainda assim há uma coisa ou outra que se safam e bem (mas no mundo pop). 11th Dimension, 4 Chords Of The Apocalypse têm as duas apontamentos sintéticos pop que querem asseguramente ganhar terreno no mundo comercial dos singles. Depois existe ainda uma Tourist que à partida não tem nada de especial, mas há que denotar que desde o meio desta música até ao final, o instrumental que vai balançando lá atrás até está muito bom. Mas pronto, não é assim nada de mais. Mais valia terem-no amarrado aos The Strokes. Porque se o sucesso a solo entra na cabeça dos frontmans (como pode acontecer com os futuros singles), temos sempre um mau final que se avizinha. Mas o problema é que aqui estamos a falar do final duma das bandas que mais contribuiu para música contemporânea.

Memory Tapes - Seek Magic

2009-11-06T10:00:00.000Z

8,0

Isto há coisas que caiem do céu. Depois duma semana atarefada que foi esta para mim, poder sequer ter a oportunidade para ouvir o Seek Magic dos Memory Tapes é uma bênção. Ah podem crer que sim. Seek Magic é tão relaxante, é tão chill que quase nos diz ao ouvido “vai mas é esparrar-te no sofá!”. E então quando uma pessoa anda assim meia cansada, este disco dos Memory Tapes é quase remédio. É um disco com os graves bastante amigáveis e um pouco groovy, o que nos faz ficar no sofá a querer descansar mas ainda assim a mexer o pé. Bicycle, Green Knight e Run Out são três pequenas deliciosas pausas no trabalho. Mas a melhor faixa, Stop Talking, é uma coisa linda mesmo. Principalmente ao nível do baixo. Tipo, perfeito! Neste caso em especial, o electro chill dos Memory Tapes é quase dançável. Atenção ainda para a parte final de Pink Stones que é também deliciosa.

Não houve talvez melhor timing para ouvir este disco. Mas é para toda a gente um bom motivo para descansar. Oiçam, mas não adormeçam. O que é também difícil uma vez que este disco de monótono não tem nada. É chill mas obriga o ouvinte a ficar bem acordado para não perder pitada do Seek Magic.

The Flaming Lips - Embryonic

2009-11-04T10:00:00.008Z

9,1

Melhor Música Nova

Sem dúvida que já estive mais longe de encontrar o álbum perfeito. E principalmente neste Embryonic, quase que o fiz sem querer. Tudo se deve a uma pequena procura duma banda que nunca me disse nada mas que dava muito que falar. Mas assim que me deparei com a audição deste disco, (se é que se pode chamar assim visto que esse nome é demasiado “comum) não consegui conter-me e tive que, obrigatoriamente, ouvir o Embryonic de novo. É quase impossível olhar para esta “coisa” e dizer que é normal, ordinário, usual, e tudo o mais. Embryonic soa tão bem. E a quem não soar bem, é melhor ir a uma consulta grátis para ver se arranja um aparelho auditivo.

Este disco é tão bom que até é possível afirmar-se que se tivesse sido editado 10 anos antes (o que por acaso até é bastante estúpido de se dizer) ia ser considerado por muita gente como um dos melhores discos de sempre. Como não é, ficamo-nos pelo “certamente um dos melhores de 2009”. Aviso desde já que Embryonic é um grande contender ao Top3 do Afft’r 8 no fim do ano. Mas agora perguntam vocês, “mas afinal o que é o Embryonic tem que os outros discos não têm?”. Pois bem, isso já não é tão fácil de responder… Mas vou tentar!

O Embryonic, primeiro de tudo e visto de fora, tem 18 musiquinhas. O que significa que para ter a nota que teve em 18 belas musiquinhas revela uma média por música quase assombrosamente óptima. Sim, há álbuns com melhores notas, sim… E depois? Este tem 18, 18 c*r*lho! 18 lindas músicas que são todas acima da média. Sinceramente, isto é um disco que prima pela coesão musical e que funciona mais como “álbum” do que como “umas 18 músicas que estão juntas”. Sim, se a coesão é muito boa, então vão ouvir o disco. E aí tenham principal atenção a umas peças que, porra, são mais que maravilhosas. Falo por exemplo logo da primeira Convinced Of The Hex, See The Leaves, e a finalizante Watching The Planet. Mas claro, eu sempre gostei de criar este suspense, oiçam é as 8ªs maravilhas que são I Can Be A Frog, Sagittarius Silver Announcement, The Impulse, Silver Trembling Hands e Virgo Self-Esteem Broadcast. E depois disto oiçam a verdadeira candidata a melhor música dos últimos tempos, Powerless.

A piada é mesmo essa. Este disco tem 18 músicas, tem uma nota muito boa e eu peço aos leitores para terem muita atenção a 9 músicas. Ou seja, metade. Metade do disco é uma coisa que só merece uma típica frase que é qualquer coisa deste género: sem comentários. Vá, vão mas é ouvir esta obra-prima que por mais que eu queira, nunca vou conseguir dizer o que é que este disco tem a mais que os outros. Porque o que tem, parece ser sobre-humano.

Kap Bambino - Blacklist

2009-11-02T10:00:00.000Z

7,9

Depois do concerto que deram em Paredes de Coura, sempre fiquei com aquele bixinho do "epá, tenho que ir ouvir Kap Bambino" e finalmente consegui ouvir Kap Bambino. Talvez já um pouco tarde, mas mais vale tarde que nunca. Pois bem, este disco dos Kap Bambino, Blacklist, é uma peça saborosa do noise contemporâneo. Noise electrónico que por vezes é muito sujo, e que noutras vezes é bastante glam na onda do neo-pop. Human Piles é uma coisa bastante psicadélica, muito gigabyte, mas tão espectacular. Dead Lazers e Lezard também fazem parte das maravilhas do disco. Mas até fico feliz por finalmente ter conseguido ouvir os Kap Bambino, é um nome que sim senhor, vulgarizam o noise mas pelo lado bom que é mostrar que hoje se faz tão bem. Os Kap Bambino estão sem dúvida alguma, aprovados.

The Mountain Goats - The Life Of The World To Come

2009-10-30T10:00:00.002Z

6,7

Depois dum momento tão bom do folk como o dos Monsters Of Folk, tivemos que ir ouvir o The Life Of The World To Come dos Mountain Goats e ficamos um bocadinho desapontados. Quer dizer, depois de ouvir os Monsters Of Folk, querer ficar no mesmo género e esperar que aí vinha coisa boa era pouco provável. Mas acontece que não é assim tão. Este disco contém ainda algumas bonitas faixas como Philippians 3:20-21 e Matthew 25:21. Os Mountain Goats interagem com o ouvinte através dum folk meio pop graças a uns smoth-pianos que giram em torno da construção das músicas. Ainda que o disco seja fraquinho, há coisas que revelam algum potencial dentro da banda.

Monsters Of Folk - Monsters Of Folk

2009-10-28T10:00:00.000Z

8,5

Melhor Música Nova

Ao que parece, os auto-intitulados Monsters Of Folk são mesmo uns monstros do folk. Levam tudo à frente. É realmente um belo projecto que gira em torno do unplugged. Mas logo na primeira faixa, é-nos atirada uma Dear God (sincerelly M.O.F.) que nada tem a ver com folk ortodoxo. Mas é possível que sirva para ficarmos com uma primeira boa impressão. Depois saltamos uma faixa para chegarmos até Whole Lotta Losin’ onde se respira um tipo de rock bastante funk. Depois voltamos a saltar até chegarmos às melhores faixas do disco. Que são Baby Boomer e Man Named Truth. Mas existem tantas outras boas músicas: The Right Place, Slow Down Jo, Magic Marker, Map Of The World, Sandman, The Brakeman And Me (estas três têm refrões espectaculares!) e His Master’s Voice. Monsters Of Folk é dos muitos álbuns folk que por aqui caiem, que são realmente bons. Bons pela sua diversidade como pela sua intelectualização.

Johnny Foreigner - Grace And The Bigger Picture

2009-10-26T10:00:00.000Z

4,8

Isto há coisas que me deixam fora do sério. É haver gente que pensa qualquer tipo de indie pop noise e tudo o mais se faz sem nexo. Se acham que quando ouvem aquilo a que nós na gíria chamamos de "barulho" é tudo aleatório estão muito enganados. E ao que parece, estes Johnny Foreigner pensam que sim. O álbum é muito fraco. Baseado unicamente nas guitarras que QUEREM SER indie numa construção e coesão que desafia os padrões de bom gosto. Ainda assim há faixas que se destacam. Mas nada de mais! Calma! São elas Feels Like Summer, Criminals, Kingston Called, They Want Their Lost Youth Back, I Woke Up On A Beach In Aberystwyth e a melhor, Every Cloakroom Ever. São 5 em 15. 16 a contar com a faixa extra. Mas pronto, nada de mais. Um nome a esquecer. É preferível falar muito das coisas boas do que pouco das coisas más. Talvez por isso hoje fiquemos apenas por aqui.

Atlas Sound - Logos

2009-10-23T10:00:00.001+01:00

8,5

Cá voltamos a ouvir um dos meus frontman preferidos, Bradford Cox com o seu, digamos part-time, intitulado de Altas Sound. Já não é o primeiro disco, mas sim o segundo. O segundo duma exploração mais aprofundada da mistura do ambient noise com pitadinhas de inovações eléctricas. Tudo incutido no mundo shoegaze. E o vocalista dos Deerhunter neste disco inova pouco mais que o anterior. Tanto no anterior a este na discografia do projecto a solo Atlas Sound como do projecto como banda, os Deerhunter. Principalmente quando lhe toca a ele, ao Bradford, cantar. Porque quando ouvimos a colaboração com Noah Lennox, a.k.a. Panda Bear, em Walkabout, aí nem parece nem uma, nem outra. Soa mesmo a Animal Collective ainda que com algum medo. Na faixa com Laetitia Sadier, Quick Canal, Bradford assume uma sonoridade tipicamente post-rock dos dias em que a electrónica domina tudo. Esta faixa, é também claramente a melhor do disco com 8 minutos de música deliciosa com um break de noise (exactamente) a meio da faixa. Outra linda música é Sheila. Onde o ambient desesperado negativista de Altas Sound se transforma rapidamente uma planície colorida numa manhã de Primavera. Isto sem nunca esquecer a Kid Klimax, que é outra faixa que merece muita atenção.

Este Logos é sem dúvida outro dos muitos discos que deixam a comunidade indie desesperada. Ainda que esteja bem conseguido, não há nada que salte aos ouvidos duma maneira estonteante como havia por exemplo no Microcastle. Mas mesmo assim, Bradford Cox acertou mais uma vez.

Neon Indian - Psychic Chasms

2009-10-21T10:00:00.004+01:00

8,2

Melhor Música Nova

Para os mais conservadores, há que este disco tem muito de futurista. O Psychic Chasms faz-nos lembrar muito os já conhecidos Passion Pit mas numa versão menos abrilhantada para dar nas vistas. Os Neon Indian, na primeira parte do disco quase que fizeram aquilo a que eu poderia chamar um chill ou lounge futurista. Terminally Chill é um grande exemplo disso. Tanto que se pode tornar uma das melhores do Psychic Chasms. Mas aqui, essa decisão, torna-se muito difícil. Existem 3 músicas acima da média que competem todas para a medalha de ouro. São elas a Terminally Chill, Should Have Taken Acid With You e Psychic Chasms. E para além dessas, ainda existe uma Ephemeral Artery que respira o electro clash dos Daft Punk por todo o lado. Para finalizar existe também uma deliciosa 7000 (Reprise). É um disco pequeno (ronda os 30 minutos) mas ainda assim mostra que o futuro já é hoje. Portanto é caso para dizer que estes Neon Indian têm um presente muito promissor.

A Hawk And A Hacksaw - Délivrance

2009-10-19T10:00:00.001+01:00

8,4

Afinal a World Music trácica não se resume apenas a Beirut! Existem também um nome já muito conhecido, chamado A Hawk And A Hacksaw. E quando ouvimos discos destes somos levados para outros locais bem longe daqui. Délivrance funciona como uma máquina do tempo, e ao mesmo tempo como uma porta para um local distante. Neste caso para uma zona trácica onde a música soa diferente: o ponto de transição duma world music europeia para uma world music mais arábica. Destacam-se 3 belas fantásticas composições que são elas Kertesz, Vasalisa Carries A Flaming Sku e Lassu.

Os AHAAH já tinham dado provas que sabiam o que faziam, mas eles fazem de conta que as provas que existem até hoje não cheguem e continuam a fazer boa e nova música como se se tratasse sempre do primeiro disco.

Legendary Tiger Man - Femina

2009-10-16T10:00:00.001+01:00

8,7

Melhor Música Nova

Quando oiço coisas assim é que me dá para ficar feliz e orgulhoso do meu país. Sim, voltamos ao terreno nacional, desta vez para o novo álbum do super-homem (literalmente) Paulo Furtado, constituinte e líder dos Wraygunn e alma do one-man-project Legendary Tiger Man. Femina é o álbum e o conceito gira todo em torno de mulheres. Mulheres para aqui, mulheres para ali. Mas Paulo Furtado não tira tudo das mulheres. Tira somente o que elas têm de melhor. Femina está cheio de sensualidade, sexualidade, amor, desgostos e paixão “daquela”. Femina toca em quase tudo o que as mulheres são. São 15 faixas que contam todas elas com a presença duma mulher.

O disco começa com Life Ain’t Enough For You, com a participação de Asia Argento onde começam as conversas musicais de Legendary Tiger Man com as suas convidadas. Life Ain’t Enough For You, primeiro single, fica-nos na cabeça talvez como ficavam as faixas mais lo-fi de Shangri-La, último trabalho dos Wraygunn. Onde provavelmente Paulo Furtado já vinha tirando alguns apontamentos de quão boas as músicas soavam na companhia das duas mulheres dos Wraygunn. O mesmo se segue com These Boots Are Made For Walking, música já muito famosa que tem resistido ao passar dos anos, imortalizada talvez não pelo seu criador mas por Nancy Sinatra. Esta faixa conta com a participação de Maria de Medeiros que com um tom quase sussurrante nos atira “These boots are made for walking, that’s just what they do. One of theese days theese boots are gonna walk all over you” e nos deixa a todos com uma cara que revela um «auch!» bem desenhado.

Se Maria de Medeiros já era uma bad-girl, na terceira faixa também há uma. Dá pelo nome de Peaches, talvez o maior nome que consta no disco. Mas ainda assim Paulo Furtado canta que Peaches “is the kind of girl you don’t wanna meet”. Avançamos um pouco, saltando uma ou outra faixa e damos de caras com Radio & TV Blues – Cais do Sodré Cabaret que é mais um back to basics na história da discografia de Legendary Tiger Man. Paulo Furtado ainda nos atira com “I want you to give me some red poison mixed with LSD, ‘cause it’s going to make me feel so much better than fucking MTV”.

Mas a faixa seguinte nunca poderia ser esquecida. The Saddest Thing To Say com Lisa Kekaula é uma pequena pérola de 2min3seg que se torna na melhor faixa do Femina graças à prestação da convidada. Cantada num jazzy-gospel torna-se completamente deliciosa. Ainda que com músicas rivais dentro do próprio Femina, é a que ganha neste reino das mulheres.

Seguindo para a frente, novamente com Asia Argento, agora num tom mais revoltado e de quem desabafa, Asia canta que “my stomach ist the most violent of all Italy. It’s a map were you can read all my pain, fears and bullshit”. Esta faixa já aprontava para algo muito bom de acordo com o diálogo feito com Asia Argento, mas isso não acontece em My Stomach Is The Most Violent Of All Italy, acontece é na faixa seguinte.

Nada a que não estivéssemos habituados já, Claudia Éfe é sem dúvida uma das vozes mais sensuais no mundo da música e eis que Paulo Furtado a foi buscar para uma pequena mas quase perfeita colaboração em Light Me Up Twice. “God is everywhere. Under a women’s skirt and inside a men’s pants”. Desde aqui que começa uma troca de conselhos e de frases com duplos sentidos que atiram a sensualidade para um canto a ser espezinhada por tamanha sexualidade existente na faixa. Mas quem diria que isso era mais que bom?

Avançando mais um pouco encontramos I Just Wanna Know (What We’re Gonna Do) com Cibelle, é outra rival das faixas que ficavam para contar mais, ficando no pódio com a medalha de bronze. Voltando quase ao lo-fi de Life Ain’t Enough For You, o génio e a sua companheira transpareceram alguma ingenuidade virgem para a música tornando-a uma das que nos tocam mais, talvez porque todos já passamos por isso. Um instrumental ainda que quase vazio, nos enche o lado mais apaixonado.

Por outros caminhos encontramos a mais que irónica True Love Will Find You In The End depois de tanta paixão, muito sexo e pouco amor. Desta vez com Cibelle, Legendary Tiger Man apronta o fim dum disco que deixa marcas em qualquer um. O instrumental também é mais puro, a deixar de parte muita electrónica. Talvez por isso se fale em “True Love”.

Estas e outras faixas fazem este Femina, nunca se podendo esquecer também as colaborações de Becky Lee, Phoebe Killdeer, Mafalda Nascimento e as duas de Rita Redshoes em Lonesome Town e Thirteen.

Quando uma pessoa que está do lado de cá ouve um disco como estes, fica claramente feliz por ter encontrado mais uma peça de boa música. Mas quando encontramos uma peça de boa música e sabemos que é “produto nacional”, dá-nos um certo orgulho por vivermos aqui. Por se fazer música acima da média. Afinal de contas, todo o Femina é acima da média. Não há uma música que seja um tiro ao lado. Paulo Furtado começa cada vez mais a ganhar um estatuto de “Mão de Midas”. Estatuto esse que se confirma com este disco espectacular. Como gostamos de dizer: Paulo Furtado is going to be Legend… wait for it! …dary!

Cass McCombs - Catacombs

2009-10-15T10:00:00.000+01:00

6,3

Outro lançamento do mundo indie-folk, isto já quase que é uma praga. E infelizmente, este Catacombs é a parte do indie-folk-que-apesar-de-chatear-ainda-vai-tendo-álbuns-espectaculares que realmente falha. Sim, Cass McCombs não acertou bem com a coisa. Ainda para mais, numa zona onde a música é fácil. O Sr. Cass acertou apenas na opener de Catacombs, Dream-Come-True-Girl. E acertou também na finalizante One Way To Go. De resto ficou-se um apontamento ou outro em Harmonia, My Sister My Spouse e Lionkiller Got Married.

Podem ser alucinações, mas este Catacombs apresenta-se quase como uma premonição do fim da hegemonia do indie-folk. Esperemos que nomes como Iron & Wine, Andrew Bird e Bon Iver não oiçam nada disto.

Zu - Carboniferous

2009-10-13T10:00:00.000+01:00

8,3

Ora aqui está uma coisa que não se ouve todos os dias. Metal Experimental. Carboniferous dos Zu é uma boa referência para esse género ao que parece. Este disco por vezes assemelha-se mais a uma ensemble de jazz mais feroz e agressiva, talvez por isso nós gostemos dele. Ainda com algumas participações (King Buzzo em Chtonian e Mike Patton em Soulympics e Orc), elas não se fazem notar muito por este conceito dos Zu ser puramente instrumental. Não há vozes. O mais perto que há disso é barulhos saídos da boca do vocalista dos Faith No More, Mike Patton. A melhor faixa é sem dúvida Beata Viscera, principalmente devido aos seus breaks que compõem aquilo a que se pode chamar refrão. Delicioso. Salvam-se também Erinys e Mimosa Hostilis. É um género diferente, mas que parece que vive bem quando avistamos este Carboniferous dos Zu.

Omar Rodriguez-Lopez - Xenophanes

2009-10-12T10:00:00.003+01:00

8,7

Xenophanes (lê-se “Zen-o-faan”) é último álbum do extraordinário-espectacular-brutal-genial guitarrista dos The Mars Volta, Omar Rodriguez-Lopez. Devo antes de mais avisar que aí vem alguma coisa que “sim senhor”, Xenophanes é um disco bastante acima da média. Ao contrário dos Mars Volta, este disco já não é tão jazz-fusion. Desta vez respira mais o espírito latino do tango com um piano clássico a esvoaçar por quase todas as músicas. No princípio de Mundo De Ciegos encontra-se logo isso de que estou a falar. Para este disco, Omar trouxe duas vozes. Uma masculina e outra feminina, mas sempre bem latinas. Todo o disco é cantado em espanhol. O que lhe dá outro brilho. Mas sim, soa estranho por não ouvirmos a voz de Cedric, mas ainda assim soa tão bem este Xenophanes. Asco Que Conmueve los Puntos Erógenos é a melhor faixa do disco. Psicadélica e agressiva. Foi assim que Omar Rodriguez-Lopez criou esta peça espectacular. Perder el Arte de la Razón Sin Mover Un Sólo Dedo está para o Xenophanes como a Paper Cunts estava para Cryptomnesia, gravado pelo El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez-Lopez. Ou seja, a faixa é tão boa que a instrumentalidade se repete durante 3 faixas. São essas esta, Flores de Cinzaña e María Celeste. Mas aqui não é só a instrumentalidade. Também as letras e as vozes se repetem. O que vale é que todas estas são espectaculares. E tendem a ficar bem na cabeça. Salvam-se também Oremos e Amanita Virosa.

Xenophanes é um disco bastante bom. Pela primeira vez o Sr. Omar consegue superar a sua própria banda. Este senhor hiperactivo, musicalmente falando, lá vai fazendo das suas a toda a hora (10 álbuns em 5 anos) e agora acertou em cheio. Se há homens que deviam ganhar um Nobel da Música, devia ser este senhor. Hasta la vista!

Editors – In This Light And On This Evening

2009-10-09T10:00:00.001+01:00

7,0

Esqueçam tudo o que sabem sobre os Editors. Mesmo tudo. Esqueçam músicas como Munich, The Racing Rats e tudo o mais. Os Editors reinventaram-se! E mudaram tanto que se não fosse pela voz do inconfundível vocalista Tom Smith, nunca diriam que “isto” e os Editors eram a mesma coisa. Mas vá lá, ao menos foi uma transformação bonita. Como a do casulo para borboleta. Agora, os Editors chegaram mesmo à fase borboleta onde o som deles é mais belo que nunca. Apesar disso, o álbum em si não é, passo a expressão, grande espingarda.

In This Light And On This Evening é a faixa que abre o disco e que lhe dá o nome. É logo aqui que somos confrontados com a transformação dos Editors: procurem um pouco do synth dos Depeche Mode, agarrem nos New Order dos tempos da Blue Monday, vão buscar Krafwerk, adicionem ao rock inglês ortodoxo e aqui têm os Editors de In This Light And On This Evening.

Papillon é a melhor faixa do disco e é também o primeiro single a ser retirado do disco. The Big Exit deve vir a soar conhecida a muita gente (principalmente o refrão), a mim também soa, mas não sei a quê. Mas sim, foi uma transformação dura. Para muita gente, difícil de aceitar. Mas sem dúvida para melhor. E sim, o álbum anterior foi mesmo um fim como um começo.

The Pains Of Being Pure At Heart – Higher Than Stars EP

2009-10-08T10:00:00.001+01:00

8,0

Parece que os The Pains Of Being Pure At Heart lá voltaram. Desta vez com um belo EP que não passa ao lado de ninguém. Logo para começar, existe a Higher Than Stars que dá nome ao EP, e que por sinal, usa a mesma fórmula existente no disco de estreia homónimo da banda. O que faz com que seja uma bonita música. 103 parece um b-side da Everything With You, o que faz dela também uma faixa bastante audível. 103 já rodava nas setlists dos TPOBPAH nos seus últimos concertos. Pelo menos eu acho que a ouvi em Paredes de Coura este ano. Falling Over é diferente de tudo o que a banda já fez até à data. Agora soam a uma pop desgostosa do inicio dos anos 90. Twins é uma faixa normalíssima que não se faz notar no EP. Mas é o remix de Saint Etienne Visits Lord Spank à Higher Than Stars que é a melhor faixa do EP. Começa em modo tropicalia até chegar a batida e vai progressivamente e lentamente alterando a sua composição até chegar a um modo dançável nuns tons de lounge. E se a Higher Than Stars já era bem boa, aqui está bem melhor. Regresso bem conseguido dos The Pains Of Being Pure At Heart.

Fuck Buttons - Tarot Sport

2009-10-06T10:00:00.000+01:00

9,2

Melhor Música Nova

Chegou a hora. E chegaram os Fuck Buttons com o álbum mais esperado do ano do mundo não tão ortodoxo, como quem diz, experimental. Sim, Tarot Sport é o álbum mais aguardado do ano para quem gosta de mil e uma coisas incutidas numa música, conjugadas de maneira tão bela ao ponto de se assemelharem a uma sinfonia electrónica. E o sucessor de Street Horrrsing chegou finalmente. Acontece é que, mais uma vez, os Fuck Buttons decidiram fazer um álbum mágico, tal como o primeiro. Surf Solar já era o single, tinha uma edição mais reduzida de rádio, mas mesmo assim já soava muito bem. Mas agora, agora que a podemos ouvir na sua integra acho que deixa qualquer um estado de “choque” por assim dizer. O drone vai contra muita coisa mas aqui soa tão bem. Tem tantos poderes fisiológicos sobre o corpo.

Rought Steez pode-se dizer que é a Ribs Out do Tarot Sport. As batidas são totalmente tribalistas, mas ao contrário daquilo que se passava no álbum de estreia, agora a dupla de Andrew Hung e Benjamin John Power está mais ligada ao sintetismo. Se antes as músicas já estavam carregadas de apontamentos digitais, agora ainda o estão mais. Se antes parecia muito, agora parece perfeito.

The Lisbon Maru é nome da terceira faixa. E para os mais curiosos, não, Lisbon Maru não tem nada a ver com a nossa Lisboa. O Lisbon Maru era um barco de guerra que transportava japoneses para a China e que foi afundado pelas USS em Outubro de 1942. Neste caso, a The Lisbon Maru do Tarot Sport também transporta o ouvinte. Para a guerra talvez não, mas para alguma coisa esperada. A The Lisbon Maru parece estar mesmo à volta do conceito do barco de guerra, pois a sua sonoridade vai aumentando à medida que estamos mais próximos do fim, ou seja, do desembarque. Uma viagem que ainda que grande para uns, pequena para outros, valerá sempre a pena.

Mas acontece que o desembarque não é feito no destino certo. Olympians remete-nos para a mitologia grega. Para os desembarques violentos à mão armada onde cada onde dependia apenas de si só. E nós estamos do lado dos espartanos, porque apenas esses consideravam que após a morte seguiríamos para o Olimpo. E a dupla volta a fazer o seu brilharete. O desembarque é feito com lentidão, mas já se começam a ouvir os gritos de guerra ao longe. E à medida que vamos entrando cada vez mais na música, também a batida vai aumentado. Uma vez que estamos cada vez mais próximo do ponto de impacto. Impacto esse que se dá à passagem do segundo 36 do segundo minuto. A meio da música o som altera-se para uma coisa épica. Talvez a visão duma vitória. Mas a o som volta ao original e começa a esmorecer até ao fim da faixa. Sim, ao ouvirmos esta música, por um lado ficamos completamente agarrados à melodia, por outro, sentimo-nos derrotados pela falta do auge. Pela falta da vitória na batalha.

Com a derrota vem a morte. E com a morte, a saída da alma do corpo terreno. O membro fantasma, ou melhor, Phantom Limb. E esta Phantom Limb é, a par da Surf Solar, a melhor faixa do Tarot Sport. Muito em parte pelas composições quase aleatória de que a esta faixa dispõe. Completamente genial. Excêntrica e dura, parabólica e agreste. É sem dúvida uma preciosidade.

Depois seguimos para Space Moutain. Ou melhor, segue a nossa Phantom Limb depois da batalha perdida em Olympians. Space Mountain é construída quase em estilo épico. De modo a lembrar a subida ao sitio que a nossa Phantom Limb tanto almejava. Space Mountain é também a menos genial deste disco. Falta-lhe alguma coisa.

Flight Of The Feathered Spertent leva-nos também para outra mitologia. Agora para a Azteca. E este voo ao que tudo indica tem o destino de Vénus. O que só faz sentido se ouvirmos o Tarot Sport em loop de modo a que depois desta faixa venha a Surf Solar. Mas esta faixa é a indicada para terminar o disco. É sem dúvida das mais rápidas do álbum. Não querendo dizer com isso que é a mais pequena. É apenas das mais rápidas do álbum pelas suas batidas apressadas pelos seus apetrechos que tendem a entrar e sair quase sem podermos desfrutar deles.

Finalmente, os Fuck Buttons voltaram com mais um disco editado pela ATP Recordings. E ao que parece, habilita-se muito a ser o disco do ano para o Afft’r 8. Mas também há troianos que estão bem colocados. Mas no mundo não ortodoxo e experimentalmente extremista, os Fuck Buttons são o nome do ano. Tarot Sport é genial. Não se ouvem coisas destas todos os dias.

Girls - Album

2009-10-02T10:00:00.005+01:00

8,6

Melhor Música Nova

Eu já ouvi muita coisa na minha vida. Realmente muita coisa. E quando uma pessoa se depara com mais um álbum vindo de qualquer-sitio-talvez-Nova-Iorque não esperaria mais que o normal. Uma vez estonteante, umas uma vez péssimo e não sei quantas vezes em que nem aquece, nem arrefece. Mas este Album dos Girls será daqueles que pertencem à parte do “estonteante”. Sim, estes sim são daqueles que fazem realmente boa música. Um álbum com 12 músicas, que hoje em dia já quase pode ser considerado old-fashioned ter 12 músicas num disco. Realmente já não se usa. Hoje em dia são 9, 10. 11 já é muito. Mas é um disco com 12 músicas maravilhosas do princípio ao fim. Realmente, estamos perante um disco tão bom que não há músicas más, não há músicas menos boas. Há apenas aquelas que são consideradas “normais” dentro dum patamar de qualidade alto, mas que neste Album é o habitual. E as que são fucking awesome.

Lust for Life é como começa o disco e logo aqui já vão delineando as direcções do disco que muita gente não vai esquecer tão cedo. Laura é uma das faixas que são mesmo muito boas. Mas não conseguem ser viciantes porque assim que uma pessoa as ouve, fica logo à espera de mais. Então vai à procura e encontra logo a seguir. Aqui não será logo a seguir, mas não está muito longe. Ghost Mouth, God Damned e Bid Dad Mean Mother Fucker fazem parte daquelas que estão no patamar que os Girls aqui colocam em “normal”. Mas que muitas bandas por aí invejam ter este pequeno grupo de músicas nos seus discos de modo a serem as suas melhores.

Depois seguem-se as duas melhores músicas do disco. Hellhole Ratrace que é sem dúvida espectacular. Um folk onde os Girls baixam o ritmo de modo a desabafarem todos os seus problemas. Mas é na irónica Headache que está a melhor faixa do Album. Headache é uma faixa low-fi, próxima da perfeição, que em vez dos nos dar a “headache”, vem tirá-la ao ouvinte e deixá-lo em estado de transe musical. Os poderes do kraut pop, e do trip-pop estão aqui reunidos num indie pop/rock.

Summertime é o choque para acordar depois de Headache. Os Girls utilizam um noise bastante ao estilo dos Jesus & The Mary Chain. (who doesn’t by the way?). Talvez aí esteja uma pequena grande influência que quase só é detectável nesta Summertime. Lauren Marie é outra das grandes, grandes músicas que estão presentes no Album.

Daí em diante temos três pequenas músicas, Morning Light, Curls e a finalizante Darling que também fazem parte do patamar do pseudo-normal. Porque isto de normal tem pouco. Afinal de contas, é isso que faz com que este disco seja mais que bom. A nota encontra-se um pouco abaixo das estimativas, mas sim, este Album vai constar nas tabelas de final de ano de muitas entidades.

Os Girls fizeram um álbum que vai ser recordado para muitos como o “Álbum do Ano”. Aqui não será bem assim, mas também não o vamos esquecer tão cedo. Um belo projecto com futuro, os Girls. Parabéns à banda por tal preciosidade.

Volcano Choir - Unmap

2009-10-01T10:00:00.000+01:00

6,7

Unmap é o álbum de estreia dos Volcano Choir. A quem o nome não diz nada, posso desde já adiantar que este projecto é fortemente apoiado pelo integrante Justin Vernon que é mais conhecido pelo nome de Bon Iver. Isso, é à partida uma coisa boa no disco, mas quase nem se dá por ele. Pelo menos do que estaríamos à espera depois dos últimos trabalhos que foram tão bem recebidos por nós e pelo resto do mundo. A faixa já conhecida é Island, IS, que será uma das mais dotadas daquilo que é musica “natural” por assim dizer. Existem também a espectacular Dote que respira drone, a And Gather e Cool Knowlegde. Nesta última já se nota um pouco de Bon Iver, ainda que mais tribalista e experimental, ficou muito bem. Mas não se pode falar deste Unmap sem referir Still. Essa sim, a melhor faixa do disco. Com uma voz levemente digitalizada e com um início em crescendo do folk instrumental puro para quase um post-rock sintético. Sintético porque as referências folk ainda lá estão. Mas agora num estado mais minimal. Aqui está, o álbum de estreia. Que pelo nome sonante de “Bon Iver” pode sofrer de algum hype exagerado. Mas o hype quase nunca resulta em coisa boa.

Wild Beasts - Two Dancers

2009-09-29T10:00:00.000+01:00

7,4

Two Dancers é o sucessor do prestigiadíssimo Limbo, Panto e ao que parece, não se encontra ao mesmo nível dele. Os Wild Beasts continuaram a usar a mesma fórmula do álbum anterior mas agora com menos “garra”, o que é bastante visível no inicio melancólico do álbum. Chegamos até metade do disco e ficamos com medo por não haver nada que se destaque à distância, para isso foi preciso chegar a Two Dancers (I) e (II). A (I) é sem dúvida a melhor faixa do disco. A (II) pode não ser tão boa, mas ainda se destaca. Tal como This Is Our Lot e We Still Got The Taste Dancin' On Our Tongues. Não existe nada como uma Woeboegone Wanderers do álbum anterior mas ainda assim conseguiram safar-se.

Kings Of Convenience - Declaration Of Dependence

2009-09-28T10:00:00.000+01:00

7,3

Lá voltaram os Kings Of Convenience e o fantástico Erlend Øye com a sua visão sobre a pop contemporânea. E com isso veio um Declaration of Dependence que, como é normalmente, é um álbum bom, mas que como sempre, falta alguma coisa. Os Kings Of Convenience são peritos nisso. Em fazer discos mais que bons, em que todas as músicas são espectaculares, e que ficam todas na cabeça, mas que não se sabe bem porquê, não são “grandes” composições.

O álbum tem músicas espectaculares como a Mrs. Cold, Freedom And Its Owner e Second To Numb, essas sim são as que ficam para recordar mais tarde. Depois existe também uma Boat Behind bastante bela. E para os mais curiosos, também está gravada uma Rule My World que aparenta à distância ser uma faixa dos Whitest Boy Alive unplugged. É mais um registo que fica nos Kings Of Convenience, como os outros, bastante bom de se ouvir, mas difícil de dar uma opinião. Afinal de contas, isso acontece com quase todo o bom folk que se faz.

A Place To Bury Strangers - Exploding Head

2009-09-25T10:00:00.003+01:00

8,0

Melhor Música Nova

Apresento-vos o maior revival do noise pós-punk: Exploding Head dos A Place To Bury Strangers! Parece que se renovaram e fizeram um disco (ainda) melhor que o anterior homónimo. O disco começa com a estrondosa e viciante It Is Nothing seguida duma In Your Heart que também é boazinha. Mas é em Deadbeat que voltamos às desgarridas e loucas guitarradas que a banda nos dá neste Exploding Head. Keep Slipping Away é outra grande música, mas ainda existem outras que não se podem escolher. Tais como Ego Death, Smile When You Smile e a própria Exploding Head que dá nome ao álbum. Mas depois disto tudo, existe ainda uma I Lived My Life to Stand in the Shadow of Your Heart. Que é a melhor e mais épica música para acabar um disco como este. Os A Place To Bury Strangers fizeram o melhor álbum deles, este disco pode ser hoje uma referência para o género e nós agradecemos. Porque aqui já andávamos a ficar com falta de boa música.

Hockey - Mind Chaos

2009-09-24T10:00:00.001+01:00

7,2

Desta é que eu não estava à espera… Não contava mesmo que o rock/indie com muito funk à mistura ainda estivesse vivo. Mas parece que sim, e a melhor maneira de confirmar isso é ouvindo este Mind Chaos. Logo ao principio os Hockey atiram-nos à cara uma Too Fake onde se começa a delinear algo rock, misturando um pouco de beats digitais com uma voz um pouco abafada mas que soa mesmo bem. Logo para começar, a Too Fake fica-nos na cabeça e dá-nos vontade de ficar por aqui. Mas o melhor ainda está para vir: 3am Spanish. É a melhor faixa do disco. E aqui os Hockey apresentam-se num modo dançável mas muito bem conseguido. Mas ironicamente, neste Mind Chaos, as melhores produções são as músicas onde os Hockey se afastam um pouco da sua orientação rock/indie bastante funk. Mas nesta 3am Spanish o funk está por todo o lado! A outra faixa onde eles divergem um pouco é em Four Holy Photos onde se apresentam com um western folk natural ainda que com a ajuda de apontamentos digitais. Outra faixa completamente espectacular. Salvam-se ainda Song Away e Lear to Lose. Mas o resto é do álbum é mediano. Mas não deixa de ser uma surpresa. Vamos ficar de olho nos Hockey.

Islands - Vapours

2009-09-22T10:00:00.001+01:00

6,9

Vapours é o novo álbum dos Islands. E desta a vez a banda aventura-se por caminhos mais sintéticos do pop. O inicio do disco é espantoso! Switched On, No You Don’t, Vapours e a maravilhosa Devout que é a melhor música do álbum, fazem deste inicio algo de fantástico. Lá mais para a frente existe também uma On Foreigner. De resto, o álbum é um pouco fraquinho. Não que haja falta de qualidade musical, mas acima de tudo, a orientação sintético-pop com um pouco de art-rock deixa um pouco a desejar. Talvez tenham feito o melhor que se podia fazer dentro dessa “mistela” de géneros, mas não há assim nada que se cole ao ouvido ou que sobressaia. Ainda assim, as faixas que foram referidas anteriormente, essas sim, são espantosas e colam-se ao ouvido com grande facilidade. A banda quebequiana desapontou-nos um pouco, mas já vinham a fazer grande e boa música desde há dois álbuns atrás.

The Big Pink - A Brief Story Of Love

2009-09-21T10:00:00.006+01:00

6,0

Não percebo. Davam os The Big Pink como outra (depois dos Bombay Bicicle Club) nova coqueluche inglesa, e agora que chega a hora de os ouvir, não se vê nada disso. Vê-se é uma cópia mais electro do noise dos Jesus & The Mary Chain (se calhar era por isso que os achavam bons!). Mas não achei grande piada ao A Brief Story Of Love dos The Big Pink. A melhor música é logo a primeira, Crystal Visions e depois disso, o álbum torna-se demasiado monótono para quem é dono de um noise mais experimental usando um electro que em Tonight chega mesmo ao psicadelismo experimental. Mas são Tonight e Velvet que asseguram a viabilidade deste disco. Por outro lado, existem coisas como Love In Vain e Frisk que nos mostram que os The Big Pink ainda têm que evoluir mais um pouco. Outro caso onde se vê isso é em Dominoes onde a música só é audível no refrão. Tirando isso assemelha-se muito aos Kasabian, e isso não é bom. É muito estranho virem dizer que os The Big Pink são a nova coqueluche do RU, isto é um insulto a todas as outras bandas óptimas que passam ao lado das fontes criadoras de fama.

Gui Boratto - Take My Breath Away

2009-09-18T10:00:00.003+01:00

6,7

Gui Boratto, um dos nomes mais sonantes do mundo electrónico emergido no house. No house de qualidade! O álbum é Take My Breath Away e a nota engana muito. Há músicas espectaculares como Colors e Eggplant. Mas é em No Turning Back e em Ballroom que as coisas ganham outras proporções. O brasileiro da Kompakt criou obras-primas no mundo da electrónica. No Turning Back é a faixa mais acolhedora. Talvez por isso possamos falar em chill e em lounge. Mas lounge e chill ainda que numa forma medianamente agressiva, mas suave aos ouvidos. Soa muito a mid-late 90’s. Espectacular.

Ballroom é «a» faixa. É a faixa que realmente nos tira a respiração. Técnicamente avançada. Perfeita em termos de “taquicardias”. Apenas perde para um anoying sound que anda perdido no virar para o fim da música. O house no seu melhor... O house no seu melhor e Gui Boratto confirma que o jeito dele é nato. Com este segundo álbum mostra que sim, que ele é um nome de referência. Ainda que com uma nota fraca, nós cá andaremos a ouvir este disco durante muito tempo.

Vivian Girls - Everything Goes Wrong

2009-09-17T10:00:00.000+01:00

7,8

Everything Goes Wrong é o segundo álbum das Vivian Girls e é com muita pena minha que a nota se revelou baixa para marcar o álbum como um Melhor Música Nova. Músicas como You’re My Guy e as quatro primeiras do alinhamento do disco, Walking Alone At Night, I Have No Fun, Can’t Get Over You e The Desert são espectaculares. Rápidas, contagiantes, melodicamente despidas de muitos ornamentos, são músicas directas que soam mesmo bem. E com aquele toque indie noise rock tudo se torna muito bonito de se ouvir. Mas claro, se estas faixas são assim tão boas, o que é que aconteceu para o álbum ter esta nota? Pois bem, a outra parte do álbum já não é tão rica. Apesar de ainda ser boa, já não há o efeito de “uau, isto é realmente bom!”. Safam-se ainda When I’m Gone, Out For The Sun e I’m Not Asleep.

Este disco habilita-se a ser um dos maiores geradores do comentário «underrated», porque toda a gente reconhece que Everything Goes Wrong é um álbum bom. Muitos pensaram que será dos melhores do ano. Mas!, falta-lhe mais consistência. Que é isso que me impede de lhes dar um merecedor Melhor Música Nova.

Simian Mobile Disco - Temporary Pleasure

2009-09-15T10:00:00.009+01:00

6,1

Muito tempo se passou desde o último e primeiro álbum de originais dos Simian Mobile Disco. Entre compilações e mais e mais remixes, parece que chegou a altura dos SMD nos trazem um álbum de originais novo. O sucessor de Attack Decay Sustain Release tem por nome Temporary Pleasure. E conta com inúmeras colaborações que a dupla constituída por James Ford e Jas Shaw se lembraram de fazer. Algumas colaborações com nomes sonantes: Beth Ditto, Alexis Taylor, e Jamie Lidell.

O álbum tende para ser fraco. Muito em parte graças à transformação que os SMD têm vindo a desenvolver desde o álbum que continha os grandes e inesquecíveis Hustler, Hotdog e It’s The Beat. Agora já não são tão house, passaram para a onda mainstream do electro. Onde se nota perfeitamente isso é a viciante Audacity Of Huge que conta com Chris Keating dos Yeasayer (um dono de uma Mão de Midas!). É viciante sim, mas assim que se ouvir nota-se que os SMD se “venderam” um pouco ao mundo. Querer mais reconhecimento a nível mundial, angariar mais fãs… Nem sempre é bom. Mas eles lá sabem o que fazem. Mesmo sendo uma faixa verdadeiramente comercial, fica-nos na cabeça durante muito tempo.

Das restantes colaborações das quais se esperava muito, a vocalista dos Gossip em Cruel Intentions e Jamie Lidell em Off The Map não ficaram muito bem. Já Alexis Tayler dos Hot Chip ficou bem na fotografia de Bad Blood. Turn Up The Dial é mais uma evidência de que os Simian Mobile Disco estão a virar a sonoridade para o “lado de lá”. O que é uma pena… Ambulance é a melhor faixa do disco, onde a dupla volta ao tech prog house com influências psicadélicas. Uma irmã bastarda de Sleep Deprivation talvez. Faz as maravilhas aos ouvidos de qualquer fã de música electrónica.

Bom, parece que os SMD se estão a vender um pouco ao mundo e às circunstâncias trending com que a sociedade anda. E o que James Ford está a perder em qualidade sonora nos Simian Mobile Disco, parece estar a ganhar em produções fantásticas como em Lungs de Florence And The Machine, que já tinha sido marcado como um Melhor Música Nova aqui para a gente. Temporary Pleasure é realmente um prazer temporário, curto. Até demais.

Muse - The Resistance

2009-09-14T10:00:00.003+01:00

5,5

The Resistance. Possivelmente o álbum mais esperado do ano no mundo do rock alternativo mainstream. Acontece que para os fãs de Muse, será uma pequena grande decepção. Não queiram sonhar muito alto porque o que aí se segue quase não tem palavras. Depois do não tão fabuloso Black Holes & Revelations, os Muse bateram no fundo. E quem diz isto é uma pessoa que tanto olha para este álbum dum forma profissional, como um antigo fã acérrimo e conhecedor dos Muse. Acho que vos devo avisar para isso. Este The Resistance, olhemos por um prisma ou por outro, nunca é bom de se ver nem de ouvir. Basicamente, o que se passa é graças à ascensão dos Muse a um mundo ao qual não estavam habituados. Bem cedo conquistaram o mérito e o sucesso, mas agora tendem a ficar unicamente com o sucesso vem do “antigamente”. Daquilo que está para trás. Não, o Black Holes & Revelations não era mau. Mas ninguém no seu bom senso o coloca no patamar tanto do Origin Of Symmetry como no do Absolution. Desde esse patamar que é sempre a descer.

O álbum começa com Uprising. Que se eu vos disser que é uma das melhores faixas do disco, vocês nunca acreditariam. Pelo menos quando chegarem ao fim dela. Uprising é uma faixa muito cliché, já toda a gente usou este modelo algures. A temática continua a mesma desde o BH&R – politica. Muito gostam eles de se debater sobre o sistema. Será mais uma das influências que Tom Morello passou a Matthew Bellamy? Não sei, mas esta música é ridiculamente “normal” onde apenas sobressai a parte sintética que acompanha o refrão e o final da música.

Viramos para Resistance e começa a parte penosa do disco. Se alguém começar a ouvir esta faixa e se lembrar do techno dos finais dos 90’s não pense que está sozinho. Batida primeiramente electrónica e só depois analógica. A letra, sem comentários:
“It could be wrong, could be wrong. But it should’ve been right. It could be wrong, could be wrong. Let our hearts ignite. It could be wrong, could be wrong. Are we digging a hole? It could be wrong, could be wrong. This is out of control”. Ah pois está fora de controlo sim. E estão sem dúvida a fazer um buraco para se enterrarem. Mas agora imaginem este refrão com background voices péssimas. Foi o bater no fundo mesmo. E no final do refrão, o Sr. Bellamy desafia a teoria da música para mostrar os seus dotes vocais. E como se não já mau até aqui, volta a repetir-se tudo.

Undisclosed Desires é o desespero. Batidas de R&B numa banda desta envergadura é no mínimo embaraçoso para quem sempre foi uma referência do rock alternativo. O refrão ainda assim será a parte menos penosa de se ouvir. Mas qualquer outra parte desta Undisclosed Desires podia ter sido perfeitamente feita por uma banda teen especializada em fazer música dançável para as discotecas. O que nunca ninguém experimentou fazer foi conectar esse facto aos Muse. Nunca na vida. Afinal de contas eram (vejam como eu falo no passado) uma banda de rock alternativo que fazia música bonita. Música bonita e trabalhada. E feita com todo o mérito. Agora isto?

United States of Eurasia (+ Collateral Damage) é outra chapada que a banda nos dá. Primeiro, porque aqui nota-se que o sucesso e as comparações com Queen lhes subiram à cabeça. O piano inicial, e o facto de quase parecer que a Bohemian Rhapsody está prestes a rebentar à saída do piano. Sim, aqui os Muse escusam de dizer que tiveram como grande influência os Queen. Aqui podem dizer que eles se imaginaram os Queen e se meteram num estúdio a gravar por eles. E o Matthew Bellamy ainda magicou lá uma pequena partitura em que o piano clássico dele passa por melodias arábicas. Talvez do golfo pérsico (que ainda faz parte da Ásia). Além do mais, com este titulo, a banda volta a dar a sua opinião sobre uns supostos e futuristas United States of Eurasia. Dando uma opinião negativa apenas visível no resto do titulo, porque se tal coisa se viesse a formar, teríamos que aguentar com os “danos colaterais”.

Guiding Light é a faixa mais pop. Matthew Bellamy mostra que sabe cantar e usufruir da sua voz (mais uma vez). Destinada aos momentos nostálgicos dos concertos em estádio, a Guiding Light foi construída sem muitos precalces. Sendo a faixa mais pop, não tem uma estrutura muito elaborada. E funcionará na perfeição nas rádios dentro de uns meses.

Unnatural Selection é outra das poucas boas músicas que se encontram no The Resistance. Os Muse tocam outra vez na política fazendo-se ouvir sobre a selecção que o sistema faz para emergir na riqueza duns e na pobreza dos restantes, trazendo à ribalta a velha e conhecida teoria da selecção natural de Darwin. E com isso trazem distorção, velocidade. Como se estivéssemos a ouvir um Origin Of Symmetry. Ainda que muitos breaks sejam desnecessários, os Muse fizeram uma música ainda que com muitas falhas, a mais destacável à distância.

MK Ultra é o voltar para trás. Para Black Holes & Revelations. Alguns traços de Exo-Politics encontram-se aqui. MK Ultra é também talvez uma tentativa de os Muse quererem dizer que ainda estão aqui para levar alguém à loucura a meio dum concerto. Parece que os riffs ainda não se separaram do guitarrista Bellamy nem do baixista Wolstenholme. Nada comparado aos riffs de Absolution e Origin of Symmetry, mas talvez o melhor deles todos no disco.

I Belong To You/Mon Couer S’Ouvre A Toi Voix é retroceder outra vez. Agora não na cronologia, mas na qualidade. E muito! Voltamos outra vez ao digital e uma pessoa que pensava que os Muse nunca recorreriam a tal coisa, eles voltam a mandar-nos com batidas e melodias previamente feitas em computador. Como se criatividade deles tivesse acabado e a única coisa que resta é o “saber tocar piano”. É que como é tanta gente a elogiar o rock sinfónico dos Muse que eles chegaram aqui, e abusaram no piano. Encontra-se em todo o lado.

Voltando ao rock sinfónico dos Muse, ao piano do Matthew Bellamy e tanto mais… É sabido que o vocalista sempre teve o desejo de compor uma sinfonia. E também é sabido que nós do lado de cá também queríamos ter acesso a uma coisa dessas. Pois então, a espera não demora mais! Exogenesis é o nome e está dividido em três partes. Ouverture, Cross-Pollination e Redemption. Ouverture será a melhor dessas três partes e também a melhor do álbum. A banda agora junta tanto a parte verdadeiramente sinfónica com a parte electrónica que quando lhe é adicionada a voz, fica algo de espectacular. Muitos se lembrarão de Butterflies & Hurricanes, outros de Micro Cuts, mas aqui sim, está uma música que já se esperava dos Muse já há muito tempo. E agora que nos foi entregue é com muito orgulho que dizemos “Aprovado!”

O mesmo já não se pode dizer das seguintes partes da Exogenesis. Aqui nota-se mais uma vez o “querer agradar” e não o “querer fazer o correcto”. Se o povo quer, o povo tem. Parece que afinal é essa a ideologia da banda. Gaba-se lhe o jeito para o piano. Gabam-se-lhes as parecenças com Queen, e o que é que eles fazem? Metem piano em tudo o que é sitio e tornam propositada a comparação à banda de Freddy Mercury. Simplesmente não acho normal. Uma coisa é dizer que são parecidos e uma banda viver com isso. Agora dizer que são parecidos e essa banda mudar o seu estilo para uma cópia quase a papel vegetal duns Queen unplugged? Não acho bonito.

Quem teve a culpa? Isso agora não se sabe. Afinal de contas, os Muse ainda andaram uma temporada a gravar vídeos completamente experimentais com barulhos retirados de sanitas e percurssões para as ovelhas, mas isso agora não lhes serve de nada. O trabalho é deles. A discografia está manchada e não é com muita facilidade que se esquece uma coisa destas. Mas também há um ponto muito importante que tem também vai ter que aguentar com as responsabilidades. E esse ponto é o produtor deste álbum. Que é nem mais nem menos que Mark Stent. Olhem para o currículo dele e logo verão do que estou a falar. Lá por ter produzido o grande In Rainbows dos Radiohead, não significa que agora chegue aos Muse e tenha um “keep up the pace”. Isso é um tiro certeiro em muitos. Mas isto já se estava a avizinhar desde o Black Holes & Revelations. Não que fosse mau, mas já estavam a percorrer por caminhos que não eram os melhores. E nada pior que uma pessoa estar à beira de se perder e vir alguém dar as indicações erradas.

Mew - No More Stories Are Told Today I'm Sorry They Washed Away No More Stories The World Is Grey I'm Tired Let's Wash Away

2009-09-11T10:00:00.002+01:00

7,0

Outros que voltaram. Desta vez são os dinamarqueses Mew com o seu famoso Dream Pop shoegaze que têm vindo a distribuir ao mundo desde há muitos anos para cá. Desta vez temos um disco com o título a virar um pouco para o ridículo. Mas os títulos dos álbuns deles sempre tenderam para isso. Mas falando naquilo que realmente interessa, o disco começa com New Terrain, que será logo uma das melhores do disco. Apenas suplantada pela Silas The Magic Car. Outras boas performances são as de Introducing Palace Players, Cartoon And Macremes Wounds e Hawaii.

Nota-se alguma evolução pois claro. O som já não é tão jovial nem nada que lhe pareça. Está mais maduro mais isso não significa uma perda da identidade dos Mew. Afinal eles estão é ainda mais Dream Pop do que há uns anos atrás e com isso até melhoraram.